The Song Decoders (artículo)

Esta vez no voy a escribir nada, sólo les quiero pasar un artículo que nos mandó Jim Anderson, el maestro de ingeniería que le enseña a la otra sección (a mi me enseña otro maestro). El artículo es del New York Times y habla de Pandora, el servicio de internet parecido a Last.fm, y explica cómo funcionan las recomendaciones y otras cosas muy interesantes de las nuevas maneras de escuchar música. Aquí está el principio:

On first listen, some things grab you for their off-kilter novelty. Like the story of a company that has hired a bunch of “musicologists,” who sit at computers and listen to songs, one at a time, rating them element by element, separating out what sometimes comes to hundreds of data points for a three-minute tune. The company, an Internet radio service called Pandora, is convinced that by pouring this information through a computer into an algorithm, it can guide you, the listener, to music that you like. The premise is that your favorite songs can be stripped to parts and reverse-engineered.

Some elements that these musicologists (who, really, are musicians with day jobs) codify are technical, like beats per minute, or the presence of parallel octaves or block chords. Someone taking apartGnarls Barkley’s “Crazy” documents the prevalence of harmony, chordal patterning, swung 16ths and the like. But their analysis goes beyond such objectively observable metrics. To what extent, on a scale of 1 to 5, does melody dominate the composition of “Hey Jude”? How “joyful” are the lyrics? How much does the music reflect a gospel influence? And how “busy” is Stan Getz’s solo in his recording of “These Foolish Things”? How emotional? How “motion-inducing”? On the continuum of accessible to avant-garde, where does this particular Getz recording fall?

There are more questions for every voice, every instrument, every intrinsic element of the music. And there are always answers, specific numerical ones. It can take 20 minutes to amass the data for a single tune. This has been done for more than 700,000 songs, by 80,000 artists. “The Music Genome Project,” as this undertaking is called, is the back end of Pandora.

Y el artículo:

http://www.nytimes.com/2009/10/18/magazine/18Pandora-t.html?_r=1&hpw

Historia del Productor: George Martin

George Martin ha sido llamado el quinto Beatle. eso ya lo sabían. pero se han preguntado porqué? pues me vale verga, yo les voy a decir.

George Martin (Sir George Martin, para los cuates) nació en 1926, 14 años antes que John Lennon. A los 17 años, se enlistó en la marina. Por suerte, la guerra terminó antes de que lo mandaran. Así que a los 20 años, con una beca del ejército, se metió a la Guildhall School of Music and Drama en Londres (el mismo lugar donde estudió Dave Holland y seguramente un vergo de gente), donde estudió música clásica.

Después de la escuela, Martin se metió a trabajar en Parlophone, una rama de la disquera EMI muy poco importante, y en 1955 heredó la disquera cuando su jefe se retiró. Martin se dedicó a producir y grabar sesiones de música clásica, y discos de comedia como los de Peter Sellars.

En 1962, Brian Epstein (que también ha sido llamado el quinto Beatle) le llamó a Martin e insistió en enseñarle un demo de Los Beatles. Al principio, no le parecieron nada espectacular, pero los firmó a la disquera con un contrato en el que la banda recibiría un centavo de cada disco vendido, para repartirlo entre los cuatro. Meses después, George Martin decidió cambiar el contrato por iniciativa propia para doblar las regalías de los Beatles.

George Martin fue una influencia clave en todas las etapas del desarrollo de los Beatles, y su papel en el sonido de la banda está subvaluado. Martin servía como puente entre la creatividad bruta y el sonido final, y tuvo que inventar sobre la marcha dozenas de técnicas y trucos con los micrófonos, con las máquinas de cinta y con la mezcladora. Por ejemplo, cuando a John Lennon se le ocurrió preguntar porqué tenía que grabar dos veces un track de voz para tener eco, a George Martin se le ocurrió repetir el mismo track pero ligeramente desfazado, inventando el flanger. De hecho, Martin le puso el nombre al flanger cuando Lennon le preguntó cómo funcionaba el efecto. Sabiendo que Lennon no iba a entender ni merga si le explicaba, le dijo:

"we feed your voice through this and that and treat it with a double bifurcated sploshing flange which then doubles up your voice"

Martin también es responsable de iniciar a la banda en los elementos de la música clásica que definieron su sonido a partir del Rubber Soul. George Martin tuvo la idea de hacer un arreglo de cuerdas en Yesterday, siendo la primera grabación de una banda de rock sin instrumentos de rock. Aunque las cuerdas y elementos orquestales habían sido utilizados desde el Tin Pan Alley y hasta Motown, Martin inventó un nuevo idioma que era innovador en ambos campos, y que usaba los instrumentos como los colores principales del arreglo en lugar de adornos. El trabajo de arreglo y composición en Eleanor Rigby, por ejemplo, en donde Martin hizo todo excepto la letra y la melodía, probablemente le ameritaría un crédito de escritor junto con McCartney hoy en día.

Además de ser un innovador sin precedentes en los campos de arreglo e ingeniería de sonido, George Martin terminó de definir el papel del productor actual en 1965, cuando se dio cuenta de que no era millonario a pesar de que había producido todos los hits de los Beatles. El problema era que hasta entonces, los productores eran contratados por sesión y se les pagaba una cuota fija, o un sueldo. A Martin no le pareció, así que renunció de EMI y fundó su compañía, Associated Independent Recordings (AIR) en donde empezó a exigir regalías del material que producía. Eventualmente construyó un estudio en un paraíso tropical a la orilla del mar para grabar a todos los artistas que producía su compañía, hasta que vino el Huracán Hugo y se lo llevó.

Así que, muchachos, cuando se pregunten quién es George Martin, recuerden: ¿qué serían los Beatles sin las innovaciones tecnológicas y los arreglos orquestales?

Historia del Productor: Berry Gordy y Brian Wilson

Phil Spector era todo en uno: un hombre de negocios, millonario, prodigio, genio musical y alma torturada. Pero no todos los productores pueden llenar tanto espacio a la vez. Berry Gordy y Brian Wilson fueron influenciados y compitieron en su época con diferentes aspectos de la gran sombra de Spector.

Berry Gordy nació en 1929, diez años antes que Spector. En 1959, fundó en Detroit la disquera Tamla Records, sinónimo con el sonido (y eventualmente absorbida por su disquera hermana con el mismo nombre) del Motown. Eventualmente creció para convertirse en la compañía más grande del país fundada por negros.

El Motown consolidó la música negra que estaba cayendo del favor del público gracias a la popularización (y sanitización) del rock 'n' roll. Su sonido era una mezcla de los estilos del R 'n' B, Gospel, Doo Wop y los principios del Funk. El timbre se caracteriza por el uso de limitadores para controlar el rango dinámico de la voz, uso extensivo de ecualizadores, y la atención al detalle de Gordy, que muchas veces pedía doce mezclas de un sencillo que "audicionaba" en diferentes aparatos reproductores para escoger la mejor.

Gordy tomó el modelo de producción en línea de las fábricas de hits de Spector y el Brill Building (del cual tal vez escriba), pero en lugar de tener artistas genéricos intercambiables, Gordy invertía en el desarrollo completo de sus artistas para darles largas y fructuosas carreras. Los artistas de Motown firmaban los derechos de sus canciones, eran manejados por la compañía de Gordy y grababan en sus estudios (Hitsville, USA), además de obviamente sacar sus sencillos a través de las disqueras de Tamla-Motown. Además, tomaban clases de coreografía y de cómo comportarse en el escenario y en el público con la maestra de etiqueta, Maxine Powell.

Berry Gordy ha sido criticado por sus éticas cuestionables respecto al manejo y las finanzas de sus artistas, y hay aspectos de la compañía que aún permanecen en secreto. Se dice, por ejemplo, que muchas de las líneas de bajo legendarias del Motown que se le atribuyen a James Jamerson en realidad fueron grabadas por Carol Kaye, una chica blanca que tocaba con Spector y Brian Wilson, entre muchos otros.

Sin embargo, el desarrollo integral que les daba a sus artistas y su particular sonido, así como su asociación con los principios del movimiento de los derechos civiles resultó en carreras larguísimas y muy importantes como la de Marvin Gaye, Stevie Wonder, The Four Tops, The Temptations, etc.

Brian Wilson tomó otro aspecto de la figura de Spector: el genio musical/alma torturada.

Wilson nació en 1942 y empezó en su adolescencia una banda con sus hermanos y su primo como bajista, tecladista y vocalista. Tomando la comercialización total del rock 'n' roll, los Beach Boys empezaron con la moda del surf, pero pronto el genio de Wilson era demasiado para un estilo tan limitado.

Así que se tomó unos ajos y se volvió loquito. Después de escuchar el Rubber Soul, Brian Wilson se metió la idea de que él era el genio gringo que tenía que competir con los Beatles. Empezó a extender los limites del estilo de los Beach Boys y a presionarlos y exigirles cada vez más. Tomó elementos del sonido de su ídolo Phil Spector y empezó a sacar composiciones cada vez más complejas, como Wouldn't it Be Nice?

Su clímax creativo llegó en 1966, cuando pasó más de seis meses componiendo, arreglando y grabando su obra maestra, Good Vibrations, seguido por el LP Pet Sounds. Su disquera aprovechó el éxito de estas grabaciones para anunciar el siguiente disco de los Beach Boys, Smile, antes de que Wilson empezara a componerlo.

Sus crecientes problemas mentales causados por las drogas y su obsesión con el detalle de sus piezas le impedían trabajar en sus obras cada vez más complejas. Finalmente, Brian Wilson se dio por vencido después de escuchar Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band en 1967, le concedió la victoria en su competencia ficticia a los Beatles y se dedicó a ser un loco de tiempo completo.

Con el tiempo, Brian Wilson logró recuperarse y volver a la música, pero su tiempo había pasado. Con un poco de educación musical y menos drogas, tal vez realmente hubiera logrado una carrera del nivel y Lennon y McCartney.

Historia del Productor: Phil Spector

Pues mi examen es mañana, y acabo de terminar de estudiar la parte más extensa hasta ahora del curso, sobre todo por toda la música que nos pusieron a escuchar para estar parte. La idea era que al final quedara grabadísimo en nuestra cabeza el sonido de la técnica de grabación legendaria de Phil Spector, el "Wall of Sound".

Tengo que admitir que a mí me costó un huevo lograr distinguir el sonido. Escuchaba y escuchaba las canciones, pero me parecía muy difícil diferenciar el estilo particular de Phil Spector del sonido general de las grabaciones de principios de los 60s. Eventualmente me di cuenta: el sonido de Phil Spector ES el sonido de las grabaciones de principios de los 60s.

Phil Spector nació en el Bronx en 1939, pero lo crió su mamá en Los Angeles, donde empezó a tocar la guitarra en bandas de jazz con sus amigos. En 1958 tuvo su primer hit con "To Know Him is To Love Him", que vendió más de un millón de copias.

Después de eso, regresó a Nueva York para trabajar y aprender de los compositores/productores Lieber & Stoller (de quien podría también escribir un blog, y tal vez lo haga). Pronto, el genio de Phil Spector como músico, productor y hombre de negocios se dio a notar, y antes de cumplir 21 Spector ya era un millonario con su propia disquera fundada en Philadelphia, Philles Records. Tom Wolfe escribió un artículo sobre Spector llamado "The First Tycoon of Teen" en donde ponía al productor como la epítome del movimiento de los adolescentes en los 60s, al mismo tiempo que su genialidad lo ponía en un nivel aparte.

Si John Hammond Jr. y Sam Phillips fueron pioneros de la figura del productor moderno, Phil Spector no sólo es un ejemplo clave del establecimiento de esa figura, sino que trasciende las barreras usuales del título y se convierte en el centro del proceso creativo, empezando la tradición del productor como genio/auteur que ha continuado por casi 50 años con artistas como Brian Wilson, Brian Eno, Danger Mouse, etc. Phil Spector era la estrella de su disquera, y veia a los artistas como herramientas intercambiables de sesión en sesión, produciendo bandas genéricas como The Crystals, The Ronettes, The Righteous Brothers, etc. Spector tenía la mala costumbre de poner mal los créditos en sus sencillos, por lo cual es difícil saber exactamente quién tocó en qué sesión.

Spector también extendió la imagen del artista inestable y peligroso al productor, con su legendaria ira y sus costumbres de llegar a su oficina en una limosina con guardaespaldas, oentrar al estudio con una pistola que a veces usaba para amenazar a músicos como John Lennon o los Ramones. A sus 69 años, Phil Spector está sirviendo una sentencia de 19 años de carcel por el supuesto asesinato de una actriz

El sonido característico de Spector, el Wall of Sound, era el resultado de tener a veces decenas de músicos tocando juntos en un estudio pequeño con paredes altas. Una sesión podía tener dos baterías, cuatro bajos, cinco guitarras, una sección de vientos, y cuatro vocalistas todos tocando juntos. Por supuesto, los sonidos de cada instrumento se colaban en los micrófonos de todos los demás instrumentos, y Spector experimentaba por horas con la colocación de diferentes micrófonos y músicos en el cuarto hasta obtener el sonido que tenía en su cabeza. Después de la sesión, pasaba días regrabando y mezclando la canción. A pesar de que la grabación y mezcla en dos canales ya era común en esas épocas, Spector se rehusaba a dejar el mono. Estas son las características de ese sonido saturado en bajos, rico en armonías y lleno de pequeños detalles que tal vez ustedes también identifiquen como el sonido de principios de los 60s. Spector prefería concentrar todas sus energías en un sencillo a la vez, aunque esto no era tan raro en el mundo antes de Sgt. Pepper y los albums conceptuales.

En 1966 Phil Spector firmó con Ike & Tina Turner, la pareja más exitosa del RnB en ese momento, para producir lo que él consideraba su obra maestra. El sencillo "River Deep - Mountain High" rompió récords en el costo de producción, pero inexplicablemente no tuvo éxito. Decepcionado con la industria, Phil Spector se retiró de la música.

Hasta 1970. Los Beatles estaban a punto de separarse, y su manager Allen Klein le llamó a Spector para rescatar las sesiones fallidas del album que se iba a llamar "Get Back". Spector re-produjo el album haciendo cambios considerables y lo convirtió en Let It Be. Paul McCartney se enojó un chingo como ya sabemos, y años después sacó el Let It Be... Naked quitando todo el trabajo de Spector. Pero a John Lennon y George Harrison debió gustarles su trabajo, porque ambos lo invitaron a trabajar en sus discos solistas. Phil Spector produjo el album triple All Things Must Pass de Harrison (escúchenlo si no lo han hecho), y los dos discos de Plastic Ono Band de John Lennon y Yoko Ono, además del sencillo (y rola de cajón del Christmas Concert del Edron) Happy Xmas (War is Over). En 1973, su relación con John Lennon se terminó durante la grabación del disco Rock 'n' Roll cuando Phil Spector llamó a más de 70 músicos para una sesión, llego dos horas tarde vestido de karateca, y le apuntó a Lennon con una pistola. La neta, yo también me hubiera emputado.

Desde entonces, Phil Spector se ha vuelto cada vez más ermitaño y un personaje mítico, lleno de controversia. Pero a pesar de su extraña conducta, Phil Spector sigue siendo un modelo del productor como un artista completo que desarrolló una voz personal, y su sonido ha sido una influencia importante para productores y artistas como Nigel Godrich, Dave Fridmann e incluso Dave Sitek.

Historia del Productor: Sam Phillips

Bueno pues continuando con mi estudio para mi examen el jueves, el día de hoy quiero escribir sobre Sam Phillips, el fundador de Sun Records, quien descubrió a Elvis y a Johnny Cash, además de rockeros de los originales como Jerry Lee Lewis (Great Balls of Fire?), Carl Perkins, etc.

Sam Phillips nació en 1923 en algún lugar del sur del país donde vivo. No sé exactamente dónde. Como no tenía dinero para ir a la universidad, se metió a la industria del radio en los 40s como DJ, y ahí aprendió los principios de la ingeniería de audio.

Después de la guerra, con la recuperación de la economía y la accesibilidad de la tecnología militar para el público, Sam Phillips compró unos aparatillos y puso un estudio en Memphis en 1950 en donde por dos dólares podías entrar y grabar un par de canciones. Al principio su equipo era portátil y lo llevaba para grabar bodas y eventos. Como la industria musical estaba basada principalmente en las ciudades del noreste, el estudio de Phillips en Memphis resultó ser lo más conveniente para los artistas de blues y de country del sur, y el estudio fue adquiriendo su reputación por grabar artistas como B.B. King y Howlin' Wolf. En 1952, Phillips expandió su negocio y fundó Sun Records, una disquera independiente de R&B y Country & Western.

Un bonito día, un chofer de camiones entró al estudio con la excusa de grabar dos canciones para el cumpleaños de su mamá. En realidad este muchacho de 20 tenía toda la intención de ser descubierto y producido por Phillips. Resulta que el chamaco este era nada menos que Elvis Presley.

Elvis logró ganar la atención de Phillips en la sesión por ser justamente lo que el productor estaba buscando: un artista auténtico que pudiera mezclar el sonido de la música negra haciéndolo accesible para el público blanco. De cierta manera Phillips estaba llevando un paso más las ideas de John Hammond Jr.

En 1953 Phillips llamó a Elvis para una sesión con dos músicos experimentados, pero después de horas de pasar por todo el repertorio del cantante sin dar con un sonido satisfactorio, Phillips sugirió una vieja canción de C&W llamada "That's All Right". En esa misma sesión, Phillips inventó la técnica de delay con cinta que le dio a Elvis su eco característico, y que se usó por más de diez años, hasta la invención de unidades dedicadas de delay en los 70s.

Phillips lanzó a Elvis al mundo, pero el peso de tener una estrella de ese tamaño fue demasiado para la disquera independiente, que pronto se encontró con problemas de infraestructura (había demasiada demanda para sus discos, pero no había capital para imprimirlos). Phillips se vio obligado a vender el contrato de Elvis a RCA en 1955.

Aún con el éxito de Johnny Cash, Sun Records nunca logró recuperarse después de Elvis, y eventualmente Sam Phillips se retiró de la industria. Aunque su carrera fue relativamente corta, Sam Phillips fue uno de los productores más influyentes en el sonido del rock 'n' roll, y una figura icónica como uno de los primeros productores auto-suficientes (ingenieros, dueños de disqueras, A&R, dueños de estudios) que vio claramente lo que le faltaba al mercado, experimentó hasta que lo encontró, y lo distribuyó por todo el país.

Un poco de Platón (ay si)

Empezaré mi segunda entrada hablando del señor don Platón, cosa que me llama la atención porque yo no soy muy de la filosofía. La semana pasada en mi clase de teoría del conocimiento el prof nos contó una idea que tenía el señor don Platón respecto al arte y la verdad. Él no era un crítico de arte ni nada parecido, como todos lo saben, era filósofo pero lo que dijo respecto al arte me pareció muy interesante y es un dato que les queria compartir. No me voy a meter mucho en detalles, más bien le contaré el resumen de lo que vimos, o como dirían algunos filósofos, la escencia. Dejémoslo en la categoría de cosas interesantes porque no se me ocurre mucho en cuanto qué hacer con esto, más que nada me pareció bonito.

De entrada, para Platón el arte era una apariencia con respecto de la realidad. Ahora, ustedes se preguntarán ¿y de dónde viene eso? Ah, pues les diré. Platón decía que existen dos mundos: el mundo de las ideas y el mundo sensible. En el mundo de las ideas es donde se encuentra la verdad, donde están las cosas como son realmente. El mundo sensible es el que percibimos y es una copia distorcionada del mundo de las ideas. Se encuentra un paso alejado de la verdad ya que el mundo de las ideas es cambiante y nuestros sentidos nos engañan y nos impiden percibir ese cambio de las cosas. Lo único que no cambia de las cosas se le llama OUSÍA y se refiere a lo que está por debajo de todo lo que cambia. Si lo traducimos es lo que vendría siendo la SUBSTANCIA, que se relaciona con la escencia (lo que hace que una cosa sea lo que es y no otra cosa). Entonces, Platón decía que los artistas se encargaban de plasmar lo que veían, su realidad, en una obra material. Por esto mismo, su obra resultaba en una copia del mundo sensible y por lo tanto el arte se encontraba a dos pasos lejos de la realidad y a Platón esto no le gustaba. Mi maestro dijo que Platón quería sacar a los artistas de la república pero no entendí si era broma o no. Aquí es donde se viaja más el asunto. Los únicos artistas a los que Platón aceptaría son aquellos que lograban conectarse con el mundo de las ideas por medio de una "sensibilización" que él explicaba de la siguiente manera: las Musas (diosas del arte; de ahí se deriva la palabra museo) llevaban al artista al mundo de las ideas donde él veía la verdad y luego regresaba al mundo sensible a plasmar lo que había visto. De este modo su arte se encontraba a un paso de la realidad y no a dos.

Cagado, ¿no? LOL

Lo que no me latió del Platón es que nunca estableció un método de diferenciación entre el arte que estaba a dos pasos de la realidad y el que estaba a uno. Repito, él no era crítico de arte, era filósofo. Creo que le faltaron sus ajos pa ver el mundo de las ideas ;) Pero pues qué le haremos. Espero hayan disfrutado esta pequeña y curiosa entrada.

Paco

Historia del Productor: John Hammond Jr.

Tengo todísima la intención de terminar la segunda parte del blog sobre los micrófonos. Pero también desde hace mucho tengo ganas de escribir sobre los productores de los que he aprendido en mi clase de Record Producer as a Creative Artist, y el día de hoy sucede que estoy repasando todo el curso para mi examen parcial el jueves. Así que aprovechando para estudiar, voy a empezar con eso.

Primero tengo que decir que mi clase de Record Producer as a Creative Artist trata de definir la historia y el desarrollo de la figura del productor a lo largo de la música popular del siglo veinte. Tal vez en otra ocasión escriba una introducción a los tipos de productores, pero esta vez voy a escribir sobre uno de los primeros pioneros de la producción musical, a quien muchos consideran el no-músico más importante en la historia de la música.

Tal vez nunca hayan escuchado su nombre, pero seguramente han escuchado el resultado del trabajo de John Hammond Jr.

John Hammond nació en 1920, hijo de padres ricos y blancos en Manhattan. Su mamá era pianista y Hammond empezó en la música desde los cuatro años, tomando clases de piano y violín, y después dejándolo por la viola en la universidad. Pero la música clásica nunca fue lo suyo, y desde chavillo Hammond se fugaba con los 15 sirvientes de su casa a los clubs de jazz y blues en Harlem. Hammond era un hombre blanco y rico con una sensibilidad verdadera para la música negra en un tiempo en el que esa música era considerada de segunda mano.

A principios de siglo, la forma de música popular que dominaba el mercado era el Tin Pan Alley, un estilo desarrollado por un grupo de autores e imprentas de música que tomaba elementos del jazz y del blues y los hacía accesibles a un público familiar de blancos.

John Hammond Jr. era conocido por su escrupuloso trato de todos los artistas, pero especialmente los negros. Como era rico, renunciaba a todas sus regalías porque decía que eran del artista por derecho. En 1933 Hammond rompió la barrera racial por primera vez en un disco, cuando grabó a la banda del clarinetista blanco Benny Goodman con Billie Holiday.

En 1938 Hammond organizó en el Carnegie Hall el concierto "From Spirituals to Swing", una retrospectiva de la música negra que logró establecer el estatus legítimo de la música negra en el canon de la música popular. Este concierto es considerado uno de los puntos más importantes de su carrera.

Hammond estuvo activo en la industria por más de 50 años, hasta su muerte en 1987. A lo largo de su carrera se asoció principalmente con la disquera Columbia donde sirvió como jefe de A&R (Artist & Repertoire, o sea la rama que se dedica a encontrar, firmar y desarrollar nuevo talento), y se distinguió por ser uno de los productores ejecutivos y figuras más respetadas en la industria, especialmente por su reputación de nunca olvidar sus principios firmemente de izquierda.

Algunos de los artistas más destacados que firmó Hammond tomaron tiempo en ser reconocidos como verdaderas leyendas, especialmente en el caso de Aretha Franklin y Bob Dylan, que le generaron mucha controversia y crítica en su momento.

Hammond no era un gran conocedor de la tecnología de grabación, incluso al grado de oponerse a nuevas técnicas de grabación. Incluso hay quienes no lo consideran un productor en absoluto por su falta de habilidad en el estudio, pero Hammond sin duda influyó en la creación de la figura del productor como emprendedor, como influencia en el desarrollo como y sirviente de una visión artística.

Teoría de los micrófonos: Parte 1

Hola. Ayer fui a un concierto de Rain Machine. Estuvo muy chido. Usaron micrófonos.

No les voy a explicar el principio básico de cómo los micrófonos convierten energía acústica en eléctrica, porque lo vimos en clase de Mr Anderson y además no me interesa mucho. De hecho, voy a intentar ahorrarme todos los detalles técnicos de la física. Esta es una muy breve introducción a los principales tipos de micrófonos que se utilizan para grabar música.

Pero antes, les voy a decir porque estoy escribiendo esto. No es solamente porque acabo de leer 40 páginas al respecto. Es porque hasta ahora, toda mi experiencia (no que sea mucha, pero igual) con tecnología musical y el mundo de la ingeniería y producción había estado en el mundo digital. Tengo algo de experiencia con MIDI, y con edición de audio digital. He aprendido los usos de diferentes efectos y los básicos de la mezcla con simulaciones virtuales.

Todo eso tiene sus contrapartes en la vida real (o en el campo análogo, si quieren). Pero algo que definitivamente se pierde conectando instrumentos y controladores a una interfaz es el arte de escoger, colocar y procesar micrófonos.

Por suerte, mi clase de Engineering the Record nos enseña ingeniería clásica con equipo análogo. Ahora, espero que disculpen mi mamonería, pero me acabo de dar cuenta de que voy a tener que continuar este blog en inglés. De lo contrario tendría que buscar las traducciones de todos los términos técnicos, y en verdad no quiero hacer eso.

Como punto de referencia, el rango auditivo de los humanos va de 20 Hz a 20 kHz.

There are three main types of mics: Dynamic or moving-coil mics, ribbon mics, and condenser or capacitor mics.

Dynamic mics are the most basic type. They are cheap, durable and robust (lo vendría siendo un micrófono de batalla, pues). These mics often have a bubble-shaped wire mesh around them as well as a thin foam coating. This is to prevent damage to the coil, but it also serves to attenuate sibilance. This type of mic has a resonant peak around 5 kHz, but its response decays above 8-10 kHz. This makes it especially suited for vocals, as well as micing guitar or keyboard amps. Because of its robustness and resistance to high pressure levels, as well as its resistance to interference from the wind, dynamic mics are also used for recording drums. However, there are special considerations when recording low frequencies. Because of the nature of the coil, bass frequencies at distances closer than 1 metre tend to get accentuated at much higher ratios than middle and treble frequencies. This is called a bass tip.

Ribbon mics use a corrugated metal ribbon rather than a wire coil, which makes them very fragile. They have a low resonant frequency around 40 Hz, below which it is hard to pick up anything. They also tend to have difficulty picking up very high frequencies above 14 kHz. The frequencies between, however, have a very smooth (high quality) response. Ribbon mics give out a very low output, so they generally have a built-in 'step-up' convertor which steps up the impedance to normal mic level (podría bloggear acerca de niveles de señal y convertidores, pero les aseguro que es aburrido. pero si a alguien le interesa, se los explico.)

Estos son los clásicos micrófonos de los cincuentas que se ven bien chidos.

Condensor mics use a very thin porcelain or titanium disc, and their resonant frequency is in the high range, typically around 12-20 kHz. These are the highest-quality (and most expensive) of the mic types, which makes them the professional standard (although other types have specialized uses). Because of their architecture, condenser mics need a constant power supply of 48V. This is provided by the audio cable itself, and mixers and audio interphases will normally have a 48V or 'Phantom Power' button which enables this function. There are several variations on this design which serve different purposes, from radio to journalism to field recordings.

Bueno, esos son los tres tipos principales de micrófonos. Quería explicar también los principales patrones de captura, pero se está haciendo tarde y mañana tengo clase en la mañana, así que esa será la parte 2.

Si tienen preguntas, o ven hoyos en lo que digo, o lo que sea, pues coméntenle!

Gracias por leer.

yo.

FELIZ CUMPLE CHIQUITO!

Muchas felicidades perra, te mando un abrazototote y espero te la pases bien chido el fin. Te deseo mucho atasque y 100% amor

:)

The Periodic Table of Form

Siguiendo la pauta de mi amigo Stuart yo también les quiero compartir un artículo que me dieron a leer en la escuela, aunque no fue el primero, es sin lugar a duda del que mas aprendí. The Periodic Table of Form es un artículo dedicado a la disección de las propiedades inherentes de las formas y cómo podemos entender un objeto y lo que nos transmite a través de su forma.

Esto fue, en el contexto de la clase, un primer acercamiento a la creación de figuras orgánicas en oposición a las figuras puramente geométricas.

Entre otras cosas el artículo trata con los diferentes tipos de formas y sus propiedades individuales y combinadas y analiza algunos productos para determinar si su forma tiene congruencia con su función.
Los dejo con un extracto para que se les antoje:

"For the purpose of this argument I propose that form (or Design), in the context of both the natural and man-made world has two jobs: to be the messenger of a certain experience; and to fulfill on that promise. When the two don't match up, the experience is unfulfilling and its form superficial. Consider the agreement between message and experience in these examples from nature:
- The vibrant color and markings of the poison dart frog warns off predators with the promise of death; fulfillment here is clear.
- The Monarch Butterfly's colorful markings also flaunt its poisonous nature; their purpose is attained when predators are deterred.
- The consequences of interacting with the array of sharp spines on a sea urchin or porcupine are pretty obvious to any creature passing by--you don't need a pair of frontal lobes to understand this.
- The glorious display of the peacock's plumage carries the clear message, 'my DNA is better than the next guy's, so mate with me'."

Periodic Table of Form

-Eric

mamá prende la compu! estoy en el blog!

hola. déjenme tomar este breve momento para hacer alusión a la mención de mi jefa en el título. por este medio les hago saber que cualquier chiste al respecto está quemado de antemano. gracias.

cámara, muchas gracias por el blog. lo había esperado como buen ñoño, la neta. desde hace mucho (ok, desde que conocí a momus) quería empezar uno. de hecho, lo hice. parchesss.livejournal.com. pero no lo he usado más que para comentar en el blog de momus. así que, chido, y bien cabrón lo que dijiste.

en este punto, el tercer párrafo, tengo que admitir que este post no se trataba de nada en realidad en principio. en parte quería ver sisicierto, y parece que sicierto. pero ya que está aquí y escribiéndolo, estoy pensando qué me gustaría saber qué podría contener este blog.

podría contener cosas que aprendo en la escuela, como lo que dijo stuart (que por cierto yo también estoy viendo!). de hecho estaría chido escribir sobre lo que aprendí de la rítmica, de la armonía y de la disonancia en Teoría, o la teoría e historia de los productores.

también podría incluir viajes que surgen a partir de eso y otras cosas como mi nueva aversión al mp3 o mi viaje en contra de las políticas de lily allen (en lo personal sigo sin bajar música en general, pero igual, no mamen).

podría incluir reseñas de discos y conciertos, o de noticias y cosas que pasen en el mundo y que son demasiado largas para 140 caracteres.

finalmente, podría funcionar como un blog común y corriente en donde doy resúmenes de la vida. esto lo hago no porque soy una niña de 10 años, sino porque hay personas con las que no mantengo mucho contacto y a mí me gustaría leer lo que pasa en sus vidas.

el punto de este blog era un poco ordenar mis pensamientos respecto a los blogs, así que gracias si me siguieron, pero también era para dar unas cuántas ideas de qué podemos hacer con él, así que si se les ocurren otras cosas que hacer con este blog que no dije, pues coméntenle!

cámara pues, gracias de nuevo.

yo.

The Listener's Interpretation of Music: An Experience Between Cause and Effect

Primer artículo que me dieron a leer en mi clase de "Aural Skills" (y por lo tanto primer post que haré como introducción a mi vida como bloggero).

Básicamente la clase tiene el propósito de enseñarnos como escuchar, interpretar y analizar música, con el fin de luego poder expresar y entender esas percepciones de manera concreta y racional. Por ejemplo cuando le preguntan a uno que sentimientos le evoca una pieza y por qué, automáticamente uno intenta explicar la música a través de metáforas y analogías; "La música me hace sentir felíz porque tiene una tonada alegre". Esto es una respuesta incorrecta.

Lo que la clase tiene como finalidad es darnos la habilidad de poder disectar una pieza, analizar sus componentes y observar que cualidades tienen que función y como eso nos hace entender el significado detrás de la música y además tener el vocabulario adecuado para expresar coherentemente ese significado al mundo exterior.

También es en esta clase en la que nos enseñan como la música afecta imágenes (por ejemplo en el cine) y como es usada para crear y darle signifcado a esas imágenes. En fin este artículo es la introducción a esta materia. Aquí leeran sobre las distincciones entre diferentes maneras de escuchar música y sobre como interpretamos el significado en la música. ea ea !

http://www.herbertbrun.org/listener.html

Benvenuten

Hola Chavos,

Hola Compañeros,

Hola Amigos,

Hola Hermanos.

 

 

Sean bienvenidísimos a este su espacio: el blog oficial del Equipo B Azul, o séase nosotros. Este blog lo he creado para que sea de todos nosotros, super divertido, en el que todos cooperemos, super divertido. La intención es que aquí posteemos nuestras ideas, nuestras propuestas, lo que pensamos y lo que estudiamos. ¿Así de sencillo? Así de sencillo. Quiero que pinche explotemos la tecnología que esta a nuestro alcance a nuestro favor. Véanlo como un twitter sin la restricción de caracteres, mucho más “privado” y yo diría que es hasta más enriquecedor (si es que todo sale bien).

            Este proyectin me emociona mucho.

Ya desde hace mucho quería armar algo con todos ustedes pero nunca le pude poner nombre.

A la fecha no tiene nombre y esta chio porque me ahorré un pedote. Se me ocurrió que en lugar de organizar y ejecutar de jalón podríamos mejor dejar que las cosas fluyan y que todos veamos el proceso mental de todos como unidad para que de ahí saquemos nuestras ideas y las vayamos armando en cuasi-conjunto.

Me parece importante que vayamos armando algo entre todos. Al principio me interesaba hacer algún tipo de proyecto con fines de lucro pero creo que eso es lo de menos (buno no tanto, me mmmammma el dinero) pero no creo que debería ser el enfoque principal al inicio. Lo que me gustaría es crear una fuerza colectiva conformada por todos nosotros. Ustedes son mis mejores amigos =) y los estimo mucho. Creo que soy afortunado por tenerlos porque además de que nos la pasamos super duper bomba, son personas con coco:

 

Coco- 1) Fruta comestible obtenida del cocotero; 2) CEREBRO FUNCIONAL Y CHINGÓN.

 

Así es chavos. Yo creo que ustedes son de verdad personas chingonas y me encantaría hacer esto con ustedes antes que con cualquier otra persona. Creo que cada uno de nosotros puede aportar algo que nadie más puede y esa aportación es requete valiosa. Creo que tenemos una dinámica muy chingona que no he visto en muchos grupos de personas. A todos nos interesa saber más, conocer lo nuevo, darle la vuelta a las cosas y, sobre todo, a todos nos encanta Sheran.

3==D   (*)   <-- Bayeiyei de Sheran

Les daré unas cuantas razones por las que pienso, opino y no difiero que esto se debe de hacer y además, si se hace, saldrá chingón. Una vez adentrado en la vida universitaria me di cuenta de que me tenía que rifar más, exponerme a más cosas (una de las razones por las que empecé a escuchar la Ke Buena, antes solo la quería, hoy la amo) pero más que nada, hacer las cosas. Leer más, escuchar más, escribir más, todo más, ramín? Más. Fue un poco difícil para mi el pasar de la vida de la prepa de hacer “poco” y quedarme en la rutina. Creo que el avance era más lento. Pero mientras más me he rifado más resultados he obtenido. Creo que ustedes ya lo saben, perdón… Me estoy proyectando… EN EL PITO DE SHERAN. Muchas cosas me han indicado que mientras más práctica obtenga en armar proyectos, más chingones me saldrán. Si armamos algo nuestro no hay pierde, puro gane. Todos aprendemos. Es probable que no salga ningún proyecto lucrativo, pero lo que no dudo es que de este blog podremos sacar un jogototote. Todos estamos enfocados en diferentes áreas y si todos posteamos lo más interesante que vemos, desde trabajos y tareas hasta lecturas y lo que pinche queramos, entonces digievolucionaremos. Siempre nos lo podemos contar pero lo que quiero es que quede plasmado asi bien chingón al alcance de todos, además tenemos a unos cuates en el exranjero que se les extraña y no podrían escuchar lo que decimos por obvias razones. Por cierto, este blog es nuestro y solo nuestro, más tarde incluiremos a más banda siempre y cuando se lo ganen. Primero veamos que pedo. ¿Qué pedo?

Existen varios momentos en la vida de todo escritor en los cuales deciden que ya acabaron de escribir porque empieza a salir pura mamada. Creo que yo ya llegué a ese punto. Cualquier cosa que se me ocurra la pondré después. Espero no les haya parecido horrible todo lo que escribí. Lo hice con amor y para ustedes, eso sí. Olvidé varias DROGAS cosas que queria poner para inspirarlos pero creo que no son necesarias porque ustedes ya tienen la actitud. Mucho debraye y poca acción. Ya ni sé como acabar lo que estoy escribiendo. ¿Conclusión? Rifémosnos. Lo que quiero es tener mi bloggsito en el que todos ustedes escriban y lo lea antes de 

dormir todas las noches. =)

 

 

Lov,

 

 

Paco