Mis discos favoritos del año 2009.

Pues, en todos lados salen las listas de los mejores discos del año, o de la década, y generalmente estoy de acuerdo con algunos discos, pero no todos. Consideré escribir un blog sobre los mejores discos del año, pero decidí que no quería pensar cuáles son 'los mejores'. Así que decidí mejor hacerlo sobre mis discos favoritos, los 10 discos que me importaron más a mí. No están en ningún orden en específico, y son:

Grizzly Bear - Veckatimest

Animal Collective - Merriweather Post Pavillion (aunque su EP, Fall Be Kind, me gusta aún más)

Dan Deacon - Snookered

The Flaming Lips - Embryonic

Danger Mouse & Sparklehorse - Dark Night of the Soul

Andrew Bird - Noble Beast

Joker's Daughter - The Last Laugh

Tim Exile - Listening Tree

Julian Casablancas - Phrazes for the Young

Tyondai Braxton - Central Market

Me hubiera gustado haber hecho esta cuenta para otros años y recordar los discos. Creo que las listas hubieran incluido:

2008: Monkey, Dear Science, Replica Sun Machine, Modern Guilt, All Hour Cymbals

2007: In Rainbows, Sino, Mirrored

2006: The Eraser, Yellow House

2005: The Mysterious Production of Eggs

2004: Demon Days

etc.

Qué opinan?

Obama y Eminem mataron al hip-hop.

Ay sí. No, pues como les dije, he empezado varios blogs sobre diferentes cosas que no he terminado, y voy a intentar poner uno a la semana en este espacio en español, y traducirlo para mi otro blog parchesss.livejournal.com/

El primero es este, y se trata de lo que le pasó al hip-hop en la última década.

Si siguieron mi interminable saga de la historia de los productores, tal vez se dieron una idea de la historia de la música popular en el siglo XX. Si no, pues es aceptable (aunque debatible) decir que la historia de la música popular es la historia de las tensiones entre las comunidades blancas y negras en Estados Unidos (con un poco de ayuda de Inglaterra). Estaba el blues, y se sacaron el country, entonces respondieron con el jazz, pero lo quisieron hacer blanco con el Tin Pan Alley (el principio del pop), entonces se sacaron el R 'n' B, hasta que lo convirtieron en rock 'n' roll, entonces el R 'n' B tuvo que mutar al R 'n' B actual y los principios del funk, mientras que el rock se fue volviendo más y más blanco hasta llegar al punk, y el funk llegó hasta la música disco, etc. etc. hasta llegar al hip-hop. Obviamente esto es una simplificación, y sin tienen dudas o algo que decir pues pinche coméntenle.

El hip-hop es el último gran movimiento que viene de una comunidad negra transgresora. Se desarrolló en las calles, mano a mano con el graffiti y el breakdance, y tiene elementos del canon de la música negra (los samples del funk) y de la música electrónica vanguardista (los samples, etc.),y realmente representaba un momento de la cultura negra. Es un género hecho y derecho como los que ya no se hacen estos días.

El hip-hop empezó en los 80s en algunos de los barrios negros de este país, y se popularizó con las afamadas guerras entre la costa este y oeste, que trajeron la estética del bling. En principio, el hip-hop era creado y escuchado por negros, y asociado con las pandillas y algunas actividades ilegales (además de tener conflicto legales intrínsicos por los elementos sampleados).

Sin embargo, un extraño fenómeno sucedió en los 90s. El hip-hop se volvió muy popular entre un público blanco, joven, de clase media-alta, un sector demográfico que antes había sido dominado por el rock alternativo. Esta explosión en la popularidad del hip-hop trajo consigo a Eminem (el artista que más vendió discos en la década que acaba de terminar), y creo un puente entre la cultura negra y la cultura popular principalmente blanca de Estados Unidos. El problema, en mi opinión, es que este con esta popularización, el hip-hop se volvió una caricatura de sí mismo y perdió toda su credibilidad como medio de expresión y como un movimiento social. Quisiera decir que dejó de ser representativo de la cultura negra. Antes de vivir aquí, tal vez hubiera pensado que no lo era.

Lo que estoy diciendo, es que al parecer no es así. Jay-Z se casó con Beyoncé. A mi parecer, los negros han comprado esta caricatura de sí mismos, han decidido aceptar el estereotipo con tal de un poco de paz. Me parece que Obama parece ser una especie de símbolo para "el fin del racismo".

La verdad, no sé qué tanto sea cierto. No voy a negarlo totalmente, porque no sé qué tanto haya en realidad cambiado la situación de los negros en el país desde los principios del hip-hop, pero lo que sí puedo decir es que me parece que este tipo de actitudes es lo que permite movimientos como los hipsters, un reino musical en donde los negros son sampleados y no cuentan realmente, característico de los géneros musicales de los blancos.

No digo que el hip-hop haya muerto del todo. Todavía existe la escena del hip-hop alternativo, personas como MF Doom, Madvillain o J Dilla, pero no he encontrado en la música actual ninguna especie de intento de contrarrestar el rock de los blancos, y eso me parece sin precedentes en la música popular. Tal vez es demasiado pronto para verse, o tal vez los negros han decido realmente ser asimilados totalmente a la cultura pop. Tal vez antes de que pueda haber una respuesta, el internet va a abrir las fuentes musicales a otros países, y la respuesta será una especie de reggaetón afro-brazileño del futuro. Algo más o menos como N.A.S.A.

#internetnecesario

Hey chavos, aquí les pongo mi trabajo sobre Twitter e #internetnecesario y así. Todo lo hice en un día por lo que es probable que haya cosas que no tengan sentido y la conclución esta imcompleta, no lo pude checar. Cuando me lo regresen con correcciones las subiré.

#Internetnecesario:
La importancia de Twitter en el movimiento contra la generación del impuesto al internet en México.


El día 8 de septiembre del 2009, la Secretaria de Hacienda y Crédito Público propuso un nuevo sistema de recaudación a través de un incremento a los IEPS del tabaco, cerveza, bebidas alcohólicas, juegos y sorteos además de las telecomunicaciones, que incluye internet, en el cual se pretendía cobrar un 3% por su uso. Fue hasta mediados de octubre que la voz se corrió y la plebe se enteró de la posible creación del impuesto. Esta propuesta generó mucho descontento en los usuarios mexicanos de internet quienes utilizaron esta misma herramienta para comunicar su desapruebo y exigir la eliminación de dicho impuesto. Uno de los medios más populares que se utilizaron para expresar el descontento general fue la página web llamada Twitter. En ella, los usuarios escribieron sobre lo importante que es tener acceso al internet sin tener que pagar más de lo que ya se paga ya que consideran vital al internet si se pretende mantener a México al paso de los paises primer mundistas. Empezaron a comparar la situación de México con la de otros paises europeos como lo es en el caso de Finlandia donde el internet se ha convertido en un derecho y por lo mismo se estan desarrollando proyectos para que haya conexión gratuita en todo el país. Para mediados de octubre, poco después de que los usuarios se enteraran del aumento a los IEPS, ya se había creado todo un movimiento entre usuarios mexicanos de Twitter al que se le llamó #internetnecesario. Este movimiento exclusivo de los usuarios de Twitter llegó a cobrar atención a nivel mundial y de ahí se llevó el movimiento hasta el senado con la ayuda de la AMIPCI (Asociación Mexicana de Internet) y finalmente se logró la anulación del impuesto al internet. Lo interesante de este fenómeno fue la rapidez con la que se corrió la voz y que a su vez se logró organizar a muchos mexicanos en tan poco tiempo. La hipótesis de este trabajo es que el medio que se utilizó, es decir Twitter, jugó un papel muy importante y no hubiera sido posible este movimiento de no haber sido por este medio en particular. Ahora lo importante es definir y delimitar hasta dónde llega la importancia de la red social en dicho evento ya que un veneto como este no tiene precedentes en México.
Sería necesario hacer un tipo de delimitación de audiencia para comenzar a hacer el análisis de este fenómeno del internet. Esto puede resultar un poco difícil ya que los actores de este evento pueden variar mucho, ya sea en edad como en nivel socioeconómico, localidad, ideología e incluso en intereses, lo cual explicaré más adelante. El internet no es necesariamente exclusivo de un grupo espefífico de gente, es decir, sus usuarios pueden llegar a abarcar muchas diferentes segmentaciones y se puede asumir que los usuarios de Twitter no son la excepción. Para darle fines más prácticos al proyecto me enfocaré en estudiantes y profesores de universidades, específicamente de la Universidad Iberoamericana y el Tecnológico de Monterrey campus Santa Fe quienes servirán como muestra representativa de la gente que se vio involucrada en el asunto de #internetnecesario.
El Internet es una herramienta que día a día hace crecer los límites de la comunicación; cada día se vuelve más complejo el nivel de interconexión entre personas por medio de redes sociales y blogs. La velocidad en la que avanzan las nuevas formas de comunicación y sus variables es gigantesca. Para continuar con el análisis, ahora explicaré un poco la manera en la que funciona Twitter y cómo se desarrolló ya que este es una de las principales herramientas que ofrece la internet hoy en día en cuanto a redes sociales e intercambio de información. Twitter es un sitio web que ofrece un servicio de micro-blogging que pertenece a la categoría de sitios 2.0 que significa que los usuarios son los que crean el contenido; el emisor es el mismo receptor en términos generales. Es como un blog en el sentido de que ofrece un espacio en el que los usuarios pueden subir su contenido cuando quieran para que otros usuarios lo vean pero se le dice micro-blogging porque, a diferencia de un blog, hay un límite de 140 caracteres que no es mucho. La razón de este límite es que Twitter se creó pensando en que la mayoría de sus usuarios lo accesarían desde sus celulares, ya sea desde una conexión a internet o mediante el uso de los mensajes SMS que tienen una cantidad limitada de caracteres. Otra razón por la que es tan poco el espacio que se permite para escribir es que de esta manera se puede leer rápido y en tiempo real. Al funcionar en tiempo real crea una cadena global en la cual la información fluye entre personas. Los usuarios de Twitter tienen una cuenta en la cual se guardan todas las entradas que suben para que las vean los demás usuarios ya que Twitter es dominio público, por lo tanto todas las entradas (o “twitts” en el caló de la página) son públicas a menos que el usuario establezca lo contrario y las haga privadas. Al ser usuario, uno tiene la opción de seguir a otros usuarios. Al seguir a alguien, cada vez que esa persona sube un nuevo mensaje, este aparecerá en la página de inicio de Twitter. Los mensajes nuevos se añaden a la página de inicio así como la gente los va publicando, por lo que siempre se reciben las actualizaciones en tiempo real. Cuando uno se conecta, se pueden ver lo que son las últimas actualizaciones. Esta es una de las principales características de Twitter ya que la información llega a uno automaticamente y se mantiene una conexión en tiempo real. Un usuario tiene la opción de seguir a cuantas personas quiera de la misma manera que puede tener muchos seguidores. Los usuarios suelen seguir a amigos o cuentas que no son necesariamente de una persona física sino algún tipo de institución por lo que los usuarios pueden adentrarse en un círculo social de su interés. Por ejemplo, si me gusta la música y me interesa conocer nuevas bandas puedo seguir a usuarios que se dedican a subir twitts sobre nuevas bandas y además la gente puede poner dentro de su mensaje un link a otra página en la que viene la información o el contenido más completo. De esa misma manera, puedo seguir a cuantas personas quiera dependiendo de los temas de los cuales me quiera informar o de la necesidad que tenga. Twitter fue diseñado principalmente para crear una interconexión entre amigos y conocidos bajo la premisa de poder mandar un mensaje que le llegue a todo el mundo, pero se fue mucho más lejos y los usos que se le han dado son muchos más de los que se pensaban en un principio.
Twitter también tiene la opción de buscar palabras clave que aparescan en los twitts de todos los usuarios alrededor del mundo para así saber que se está diciendo al respecto. Bajo este mismo principio se crearon los llamados hashtags, los cuales son señaladas con el símbolo de número, #. Al poner uno de estos símbolos al principio de una frase o de una palabra, Twitter agrupa todas las palabras o frases con esta almohadilla y se crea un contexto/metadato con el cual ya se establece tal frase como un tema. Es una manera de organizar los twitts y reducir el “ruido”. Es así como surgió el #internetnecesario.
De entrada, el movimiento cobró mucha atención debido a la cantidad de twitts que mencionaban el hashtag de #internetnecesario. Esto va a resultar en una complicación al momento de estudiar y analizar el fenómeno en términos cualitativos porque se tiene que considerar que no todas las menciones de este hashtag pretendían favorecer a la causa y muchos usuarios lo repetian una y otra vez en todos los mensajes que subían. Por otro lado en términos cuantitativos, la cantidad de twitts que mencionaban la frase #internetnecesario, independientemente del resto del mensaje, ayudaron a que cobrara la atención que recibió debido a su alto número de repeticiones. Esta frase fue mencionada en tantos twitts que llegó a ocupar un lugar en los Trending Topics que son los diez temas más mencionados en Twitter a nivel global.
Existen varias páginas web que se dedican a analizar twitts y juntarlos en forma de datos ya que, como ya se mencionó, Twitter es dominio público. Lamentablemente, la página de Twitter ha crecido mucho y de tal manera, que los creadores están constantemente haciendo cambios y adaptaciones ya que ni ellos se imaginaban que su proyecto fuera a crecer de la manera en la que lo ha hecho. Esto se traduce a que no todos los twitts son visibles ni accesibles. No están borrados pero debido a la alta cantidad de twitts que se suben alrededor del mundo sólo se pueden visualizar hasta los últimos 3200 de un sólo tema. Todavía hasta hoy (finales de noviembre), sigue habiendo un considerable número de twitts que mencionan #internetnecesario con un promedio de 900 cada 7 días. En su auge, cuando apareció en los trending topics, llegaron a haber un poco menos de 10,000 twitts diarios .
Para que esta cifra sea más significante tienen que considerarse varias cosas:

• El número de usuarios en México.
• Cuántos mantienen una cuenta activa.
• Cúantos hacen privada su cuenta.
• El tiempo promedio entre twitt y twitt.

Afortunadamente, existe un grupo de investigadores y analistas llamado RJMetrics quienes reciden en la ciudad de Nueva York y han publicado en su página web toda esta información disponible para todo el público . El número de usuarios en todo México es un poco menos de 5700 y de todos los usuarios, en promedio, sólo uno de cada cuatro mantiene una cuenta activa lo cual reduce la cifra de 5700 (estadisticamente hablando) considerablemente. Alrededor de un 10% de los usuarios mantiene una cuenta privada por lo que sus twitts no pueden ser considerados ya que no podrían formar parte de #internetnecesario. El tiempo promedio entre twitt y twitt es de un día, pero es necesario considerar que muchos usuarios (tres de cada cuatro) no usan su cuenta frecuentemente y en cambio los usuarios activos “twittean” más seguido.
Si se considera que en México hay alrededor de 5700 usuarios de Twitter, y tomando en cuenta los otros tres factores mencionados, el número de mexicanos usuarios de Twitter que fue partícipe en el asunto de #internetnecesario es muy pequeño. Ahora, también habría que considerar que con el alcance global del internet es muy probable que no todos los twitts que mencionan #internetnecesario provengan de México exclusivamente sino que personas de otras naciones también pudieron haberlo escrito, cosa que no dudo.
También habrían que considerarse las características del fenómeno. El emisor que también es la audiencia, consta en promedio de puros mexicanos, tanto mujeres como hombres, de un rango de edades en promedio de entre los 17 años y los 46 . Sus clases económico-social se encuentran entre la media-baja y la media-alta y no existe ningún tipo de organización específica entre ellos. En cuanto al mensaje, este consistía generalmente y como ya se mencionó, en un texto de 140 caracteres o menos en donde venía mencionada la frase #internetnecesario como hashtag lo cual permite organizar todas las menciones de esta frase y darles significado. Lo más común en los mensajes que mencionaban esta frase era poner más texto aparte y no sólo subir a la página la frase por sí sóla. El resto del texto consistía, en términos generales, en dos agrupaciones: los textos con contenido “cómico” y los textos con contenido “serio”. Los textos “cómicos” solían mencionar alguna broma relacionada con lo que estaba sucediendo, ya fuese haciendo una alución al gobierno mexicano, al mismo movimiento, a las ventajas del internet y los usos y gratificaciones de cada usuario, etc. Se utilizaba un lenguaje cómico referencial con el fin de atraer a más personas al movimiento, o bien, con el fin de atraer más seguidores en un nivel personal de cada usuario que al final de cuentas, lograba agrandar la presencia del movimiento en la web. Los textos “serios” por el otro lado, solían expresar el descontento de cada usuario respecto a la imposición del impuesto con un tono argumentativo en donde se daban las razones por las cuales no se debería imponer. Existe una tercera categoría de los diferentes tipos de twitts que mencionaban el hashtag de #internetnecesario que son los que expresaban desapruebo ante el mismo movimiento. Estos no aprobavan necesariamente la imposición del impuesto pero estaban en contra del movimiento de Twitter en sí ya que argumentaban que era inútil el quedarse “twitteando” y no haciendo nada al respecto. Esta tercera categoría representa un mínimo porcentaje de los twitts que mencionan #internetnecesario. De acuerdo a una encuesta que se llevó a cabo a 25 estudiantes que son usuarios de Twitter a quienes se les explicaron previamente en lo que consistían las tres categorías y sus características, 12 consideraban que la mayoría de sus twitts pertenecen en general a la categoría de “cómicos”, 8 se consideraban dentro de la categoría de “serios” y 2 se consideraban dentro de la tercera categoría. Los otros tres no se consideraban usuarios activos.
Como ya se mencionó, el medio que se utiliza, es decir el canal default por el cual se difunden los mensajes es Twitter. Lo que cambia son las situaciones y los lugares de exposición a los mensajes y la “transmisión” de los mismos ya que el receptor es el emisor. De acuerdo a las mismas encuestas que se realizaron a 25 estudiantes de las universidades Iberoamericana y Tecnológico de Monterrey, 15 rebisaban y escribían en sus cuentas de Twitter desde su celular, 6 lo hacían desde sus laptops y sólo 1 lo hacía desde su casa. Como ya se mencionó, los otros tres no eran usuarios activos. De los 22 usuarios activos encuestados, 10 lo checaban entre una y cinco veces diarias, 9 entre cinco y diez, y 3 más de diez veces. Lo que se puede interpretar de estos datos es que la exposición de la audiencia a este medio es constante a lo largo del día y, de la misma manera, el contenido del medio es creado constantemente y de manera rápida, a diferencia de la televisión donde es necesario estar en un lugar, buscando canales y esperando a que transmitan los programas de interés. Esto fue en gran parte lo que ayudó a que el movimiento de #internetnecesario se extendiera entre usuarios de la manera en la que lo hizo.
Desde el enfoque funcional, Twitter tiene muchas funciones manifiestas con las que no se contaba cuando se creó ya que en un principio fue creado con el fin de únicamente informar a los demás usuarios lo que uno estaba haciendo o pensando . Ahora, tiene muchos más usos que ese que vam desde fines comerciales, informativos, educativos y de entretenimiento. Algunos usuarios de Twitter, desde las personas físicas hasta las cuentas de páginas web u organizaciones, lo han utilizado con estos fines que son diferentes a los que se plantearon cuando sus comienzos. Algunos ejemplos de esto pueden ser las organizaciones o colectivos que utilizan este medio para anunciar eventos, promociones o incluso como una manera de juntar datos, como herramienta de encuestas. Existen cuentas de noticieros como la BBC cuyo fin es informar (claramente 140 caracteres no son suficientes por lo que es necesario un link a otra página con la nota completa) y también hay cuentas cuyo fin es vender algo através de Twitter. Todas estas son consecuencias objetivas y de alguna manera positivas para la sociedad, reconocibles y deseadas por los usuarios implicados. Cabe mencionar que en Twitter también existen líderes de opinión cuyos twitts suelen ser los que más alcance tienen debido al alto número de seguidores que tienen. Uno de los mexicanos con más seguidores es el maestro Ricardo Zamora con 8000 seguidores cuya opinión respecto al #internetnecesario fue vital durante su auge. Así es como el flujo de la comunicación de Twitter se da tanto directamente (entre usuario y usuario, emisor y receptor) como a dos pasos (por medio de los líderes de opinión). En cuanto un líder de opinión sugiere un hashtag o que su seguidores sigan a alguien más, es mucho más probable que haya más respuestas a esos mensajes a que si lo hubiera escrito cualquier otro usuario. Mientras más seguidores tiene un usuario es “más” líder de opinión en potencial.
De este punto se puede ligar la teoría de usos y gratificaciones ya que al ser aplicada en este caso, Twitter en un perfecto ejemplo en el cual funciona la teoría pues cada usuario utiliza su cuenta de acuerdo a sus necesidades y gustos de acuerdo a factores como lo son los valores, los intereses y las funciones sociales, entre otros. Con el mismo criterio es como el usuario selecciona a la gente que sigue. Los usuarios eligen qué twitts leer y cuáles no, depende del estímulo que busquen. De acuerdo a la teoría, Twitter también esta en potencial de satisfacer las 4 necesidades que busca el el receptor al momento de consumir los mensajes:
• Evasión/escape
• Afectivas/estéticas
• Integración
• Cognitivas
No obstante, también existen un par de posibles disfunciones. En primer lugar, muchos consideran que este medio es un narcotizante, es decir, que ajena a la gente y la vuelve apática y distanciada de la sociedad; como un gran distractor. Es difíci determinar que tan cierta es esta acusación. Otra disfunción que tiene Twitter es que al limitar el espacio de caracteres a 140 es muy posible que debido a falta de contenido, se distorcionen los mensajes; tanto en la codificación como en la decodificación ya que es necesaria la sintetización de ideas. Si aplicamos esta idea al caso de #internetnecesario se tendría que considerar la posibilidad de que un número de usuarios utilizaron el hashtag en sus mensajes sin saber realmente qué causa estaban apoyando por falta de información.
En una entrevista con el director general de la AMIPCI, Julio Vega, dijo que nunca había ocurrido un fenómeno del mismo tipo en México en el que la gente se organizara con el mismo fin por medio de una red social tan rápidamente. Según su opinión, uno de los aspectos más interesantes fue el impacto del fenómeno, tanto en los usuarios como en las instituciones que apoyaron la causa y en el Senado de la República el cual resultó en la cancelación del impuesto que se quería poner a las telecomunicaciones. Según los datos que llevó a la entrevista, hace poco se revasaron los 100,000 twitts que tienen la mención del hashtag #internetnecesario. Cuando se le preguntó cuál fue el papel que jugó Twitter respondió que Twitter funcionó como el canal y que tiene una gran ventaja: es expedito, la información llega de manera inmediata. Entonces comenzó a contar el comienzo del hashtag que según sus datos comenzó alrededor del martes 21 de octubre y que después de sus primeras apariciones, en cuestión de un minuto ya habían cincuenta twitts que mencionaban el hashtag. Para el sábado 25 de octubre ya se había vuelto un trending topic y la gente se reunió en el Parque Hundido en lo que él llamó un flash-mob, haciendo alución a una movilización rápida y repentina, donde junto con la AMIPCI y otras instituciones se llegó al concenso de que se anularía el impuesto. En su opinión, México carece de una agenda digital, es decir, que tenga planeaciones a futuro que involucren a las nuevas tecnologías, ni siquiera su contamplamiento. Pero también hizo énfasis en que este movimiento representó un paso hacia adelante para la comunidad de usuarios de internet mexicanos en la que se demostró que es posible explotar las tecnologías al favor del usuario y de esta manera conseguir los fines sin la necesidad de marchar, hacer huelgas o incluso de la violencia. Remarcó que fue muy efectivo todo el asunto del #internetnecesario y que no hubo roles principales sino que ambas partes, tanto los “twitteros” como las asociaciones que apoyaron la cause, aportaron su granito de arena.
Esto representa uno de los aspectos importantes del #internetnecesario ya que demostró cómo un grupo reducido de personas se organizó completamente via internet sin haber un previo acuerdo y comenzaron un movimiento que eventualmente cumplió su propósito. Una de las principales críticas que se le dio al fenómeno fue que muchas personas pensaban que estaban haciendo la diferencia con tan sólo subir un twitt con el hashtag de #internetnecesario cuando realmente deberían estar afuera haciendo las cosas de verdad y no sentarse frente a una pantalla. En parte es cierta esta acusación ya que el únicamente poner un hashtag porque sí sólo está almentando el espíritu de la ignorante y acrítica masificación social desde un punto de vista apocalíptico pero, como dijo el señor Julio Vega, la aportación de cada uno fue escencial.








Referencias

• (sin autor) “Twitter support” en Twitter Support (22/11/09)
• (sin autor) “#internetnecesario” en What the hashtag?! (23/11/09)
• (Moore, Robert) “Twitter data analysis: an investor’s perspective” en TechCrunch (12/11/09)
• (Pastrana, Mauricio) “¿Cuántoso somos en Twitter Iberoamérica?” en Mauricio Pastrana – Since 1982 (23/11/09)
• (Admin) “Gráfica de los usuarios de Twitter por rango de edad” en Más dinero y tiempo (24/11/09)
• (sin autor) “Evan Williams on listening to Twitter users” en TED (8/11/09)
• (sin autor) “Mexico” en Wefollow (26/11/09)

Los Hipsters

Ayer twitteé desde un concierto de Dirty Projectors, en Williamsburg. Difícilmente pude haber hecho algo más hipster con mi sábado en la noche. A lo largo de los últimos dos meses, he tenido varios 'encuentros cercanos' con ese cuasi-movimiento post-contracultural, y quería decir algunas cosas 'al respecto'.

'Primero que nada', cómo reconocer a un hipster? Al principio, puede ser difícil distinguir a los hipsters, porque sus modas han tenido 'influencias' en la moda 'neoyorquina'. También pueden ser confundidos con 'hippies', 'punks', o hasta 'emos'. La verdad es que la moda hipster combina elementos de la ropa de los 50s, 60s, 70s, 80s y 90s, muchas veces rescatando las 'peores ideas' de cada época y mezclándolas con estilos japoneses, africanos o latinos de manera que 'no combinen'. Un 'punto clave' para comenzar a 'entender' a los hipsters es percibir la a veces sutil, a veces evidente interacción entre la 'postura irónica' y la 'estética auténtica'. Los hipsters pretenden tomar elementos que 'no funcionaron' para demostrar su 'originalidad'. Por un lado están conscientes de que sus estilos fueron descartados en su época 'por una razón', aunque por el otro lado intentan recontextualizarlos y redimirlos.

Tal vez el mejor ejemplo para ilustrar el 'fenómeno' de la moda hipster es el uso del bigote irónico. El Urban Dictionary define el bigote irónico así:

generally adorned by a hipster
an ugly mustache grown initially as a joke and to impress one's friends with the level of commitment necessary to maintain it. these mustaches often remain with the wearer far longer than they are funny and become a part of the person's "look".

El 'mensaje' del bigote irónico parece ser "mira qué ridículo se ve ese idiota con su bigote." 'Sin embargo', el idiota en cuestión es uno mismo. La 'auto-referencia' parece ser otro 'punto clave' de los hipsters. El bigote irónico demuestra la disposición de 'reírse de uno mismo', y aunque es ridículo, demuestra un atributo atractivo para un hipster. Es decir, el encanto del bigote irónico está en 'el proceso' y en 'el contexto' más que en 'cómo se ve' el bigote. El bigote irónico parece ser el 'arte conceptual' del 'vello facial'.

Esta 'voluntad' de hacer cosas 'intuitivamente contraproducentes' con tal de ser un hipster es una característica importante de los hipsters. Por ejemplo, 'todos los hipsters' toman cerveza Pabst. La cerveza Pabst, al parecer, es 'notoriamente mala'. Nadie más toma cerveza Pabst. Algo que 'me llama la atención' de los hipsters es que mientras algunos 'movimientos' defienden sus preferencias argumentando que no lo hacen solamente 'por pertenecer', los hipsters 'abiertamente' toman cerveza Pabst porque esa es la cerveza que toman los hipsters. No sólo están dispuestos a sacrificar la 'calidad' por pertenecer a una 'etiqueta', sino que son lo suficientemente cínicos para 'admitirlo'.

Algo que 'me sorprendió' particularmente la primera vez que fui a Williamsburg fue el 'descubrimiento' de que 'la música que los hipsters hacen' no es en absoluto 'la música que los hipsters escuchan'. En una tienda de discos en Brooklyn, 'no esperes' encontrar a TV on the Radio, Dirty Projectors, MGMT o Grizzly Bear. Espera encontrar miles de viniles y cassettes de artistas de blues de los que 'nunca haz escuchado hablar' porque sólo hicieron una grabación en un burdel en Texas en 1961 antes de tirarse por la ventana, o bandas de punk 'under-underground' de Berlin en 1974, todos los cuales son 'artístas auténticos' que tienen una 'profunda influencia' en la 'música actual'. En realidad, las constantes referencias en los blogs de Pitchfork y otros blogs hipsters 'me recuerdan' a Borges, inventando sus referencias 'tan a menudo' como no.

Es aquí donde 'nos topamos' con la contradicción 'en el corazón' de la 'filosofía' hipster. Cómo es posible sostener que 'no hay nada de malo' con tener un 'movimiento auto-consciente y auto-referencial' que existe para sí mismo y consiste principalmente en tener 'un camino' para pertenecer a él, y 'a la vez' jactarse de tener una 'autenticidad suprema', 'totalmente elitista' que 'abarca' toda la 'contracultura' que vino antes? El cinismo de los hipsters parece sugerir que la respuesta está en 'no tomarse en serio'.

Mientras escribía este blog, 'una amiga' entró a preguntarme 'qué hacía'. Le dije que escribía sobre los hipsters, y me dijo que ella 'odia' a los hipsters. 'Al parecer', sus amigos 'solamente pretenden ser hipsters'. Pero cuando le dije que a mí me parece que todos los hipsters 'solamente pretenden ser hipsters', porque eso es ser un hipster, me dijo que sus amigos 'se lo toman muy en serio' y 'son sinceros' al respecto. Algo que me parece 'interesante' es como, para ser un 'verdadero hipster', uno tiene que saberse falso, y si uno se considera un verdadero hipster, acaba siendo falso.

Eso me recuerda a que por algunos años, yo decía no ser un hippie. En verdad no 'me consideraba' un hippie, 'a pesar' de que las ideas, la estética y 'sobre todo' la música hippie me interesaban mucho. Pero 'me negaba' a aceptar la etiqueta porque pensaba que 'ser un hippie' consistía en 'más que eso'. Creo que dejé de ser un hippie el día en que me di cuenta que un hippie es alguien que escucha Phish, fuma mariguana, usa ropa de parches, se siente culpable de comer animales y siente cierta simpatía por ideales políticos de izquierda que no logra realmente entender. Por supuesto, esa era 'mi vida' a los 16.

Pero entonces, yo soy un hipster? Me parece que los hipsters han convertido el postmodernismo en 'un estilo de vida'. Su idea de 'tomar de lleno' el absurdo de sus contradicciones y simplemente experimentarlas también tiene algo de Zen, aunque 'totalmente pop'. Los hipsters, 'igual que yo', parecen tener un interés en ambos y sin embargo no entender del todo ninguno. Aunque intenté escribir este post 'en el estilo' de los blogs hipsters, no me pongo su 'etiqueta', irónicamente o no. Me interesa mucho seguir viendo el 'progreso' y el 'desarrollo' de los hipsters, y averiguar si realmente tienen algo que aportar o solamente son otra configuración de lo mismo.

Gracias por leer! Por favor comenten si no entendieron algo o si tienen cosas que decir. Siento que sacrifiqué un poco de claridad por intentar sonar como hipster.

Si les interesa 'adentrarse' en el mundo hipsters, les paso unos 'tips':

Blogs hipsters:

http://www.hipsterrunoff.com/

http://www.brooklynvegan.com/

http://www.freewilliamsburg.com/

http://irockiroll.blogspot.com/

http://www.latfh.com/

Música hipster:

http://pitchfork.com/

Animal Collective

TV on the Radio

Yeasayer

MGMT

Dirty Projectors

Grizzly Bear

Gang Gang Dance

Vampire Weekend

Black Dice

Free Blood

Arcade Fire

Yeah Yeah Yeahs

Ropa hipster:

American Apparel

Uni-qlo

Urban Outfitters

Superdry

Desigual

Brooklyn Industries

Marcas de hipsters:

Cerveza Pabst

Computadoras Apple

Escritores hipsters:

Tao Lin

Lugares hipsters:

Williamsburg! (es una parte de Brooklyn en donde están todos estos otros lugares)

HiChristina

Silent Barn

Music Hall of Williamsburg

BAM Theatre

The Danger

ABC no Rio

Le Poisson Rouge (in Manhattan)

Teoría de los micrófonos: Parte 2

Bueno pues, después de semanas de decir que lo haría, ha llegado el momento de seguir con loque faltó del blog sobre los micrófonos. Ya les hablé de los tipos de micrófonos, y la segunda parte es sobre la polaridad. O sea, la manera en que la construcción del micrófono afecta la manera en que el sonido hace que el diafragma se mueva más para uno u otro lado. El resultado es que los micrófonos no agarran igual el sonido que llega de todos lados, y hay distintos patrones de dirección. Como la vez pasada, voy a continuar este blog en inglés para evitarme traducir todos los términos técnicos.

There are four main types of polar patterns: omnidirectional, cardioid, hyper-cardioid and bi-directional or figure 8.

Omnidirectional microphones are the most straightforward, those that pick up sounds coming from all directions at equal amplitudes. With the diaphragm at the centre, this is a picture of its pick-up pattern:

http://en.wikipedia.org/wiki/File:Polar_pattern_omnidirectional.png

Cardioid microphones are so called because their pattern looks a bit like a heart. If I had designed them, I would have called them "baby-ass microphones". These mics have a deaf spot right at the back, and are less susceptible to sound coming from the back and the sides than the front. They are the first kind of directional microphones. They are often used for speech or field recordings, although it is not uncommon to see them in recording studios.

http://en.wikipedia.org/wiki/File:Polar_pattern_cardioid.png

Hyper-cardioid microphones are similar to cardioid, but have a small area of sensitivity at the back, and an even more narrow pattern at the front. Sometimes, highly directional microphones produce a bass boost when placed very close to the sound source. For this reason, some directional microphones have a built-in high-pass filter.

http://en.wikipedia.org/wiki/File:Polar_pattern_hypercardioid.png

Finally, figure 8 microphones are built slightly different and have a pick-up pattern that looks precisely like the number 8. Most ribbon microphones have this pattern.

http://en.wikipedia.org/wiki/File:Polar_pattern_figure_eight.png

These are the main microphone patterns, but are often combined to yield new patterns such as super-cardioid (cardioid + hyper-cardioid), shotgun (figure 8 + hyper-cardioid), etc. In fact, an omnidirectional + figure 8 yields a cardioid pattern. Also, microphones are sometimes built with the option of changing their polar pattern. There are also stereo microphones which are in fact two microphones built together, with the possibility of changing the pattern for each side.

Y bueno, eso es todo lo que sé sobre micrófonos. Cámara.

Historia del Productor: Brian Eno

Bueno, pues siguiendo en el intento de darle cuerda al blog, el día de hoy les traigo un post sobre un productor que, aunque yo casi no conocía, ha tenido una gran influencia en muchos de nuestros artistas más interesantes. Y sí, hay que decirlo, conoce a Bono. Procuren evitar pensar en eso.

Brian Eno nació en 1948 en el sur de Inglaterra. A diferencia de su hermano Roger (que ha trabajado con Momus), Brian no tuvo una formación musical clásica. Pero desde la universidad, donde estudió arte, empezó a usar la grabadora de cinta como un instrumento musical, grabando loops de improvisaciones, cortándolos y editándolos como lo hacían compositores contemporáneos como John Cage. De hecho, cuando Eno conoció a Cage, le dijo que él había sido la razón por la que se había convertido en compositor.

Después de varios experimentos en la universidad, incluyendo pegarle a pianos con pelotas de tennis, Eno estaba listo para convertirse en maestro de arte, hasta que Andy Mackay y Bryan Ferry lo convencieron de unirse a su banda, Roxy Music. Desde el principio, Eno prefería tocar desde la consola o usar grabadoras, aunque también tocaba sintes y cantaba de vez en cuando. Pero después de dos discos, Eno se cansó de la vida de rockstar y decidió dedicarse a la música de estudio.

En su carrera como solista, Eno desarrolló una nueva estética de la música popular que tomaba influencias del art rock de los 70s, pero más bien basada en las ideas de los compositores experimentales y minimalistas contemporáneos. Su concepto de "música como mueble", adornando un espacio de manera casi estática, eventualmente evolucionó a la invención del Ambient, pero tiene su origen en las ideas de John Cage, que opinaba que los sonidos que intervenían en una pieza musical deberían ser considerados parte de la música. Eno inventó el género pensando en la clase de música que debería sonar en lugares públicos, como aeropuertos, que no interviniera con la comunicación humana (de hecho, el Ambient de Eno suele tener sonidos con un rango de frecuencias arriba y abajo del habla humana) y que propusiera un estado de ánimo más que una narrativa.

Tal vez la contribución más grande de Brian Eno a la música fue la tendencia de dejar de ver la música como algo 'horizontal', con una narrativa clara, y empezar a verla como algo 'vertical', un solo momento que se desenvuelve con detalle, una sola textura en la que hay que dejarse envolver para apreciarla completamente. Esta filosofía tiene base en el minimalismo y el experimentalismo, pero sería imposible llevarla a cabo como lo hizo Eno sin la tecnología moderna del estudio de grabación. Eno consideraba al estudio como un instrumento que le permitía trabajar sobre algo concreto, a diferencia de los compositores tradicionales que terminaban sus piezas en papel antes de que otros músicos las tocaran. La música de Brian Eno siempre ha estado fundada firmemente en su estética, y Eno ha hecho una serie de "descubrimientos" que ha incorporado a su proceso creativo, como "teoría sobre práctica", "repetición es una forma de cambio" o "composición por substracción".

La influencia de Brian Eno no viene solamente de su vasta carrera como solista, que además de discos incluye soundtracks para películas y video juegos, instalaciones sonoras y de video,el famoso sonido de Microsoft, aplicaciones para el iPhone, libros de teoría musical, una columna periodística y su propio deck de cartas. También ha innovado en el campo de la música generativa, creando software y haciendo investigación, y ha producido a artistas como Talking Heads, David Bowie, Coldplay y otras bandas menores. Ya, no me hagan decirlo. Por favor. Bueno. brianenotambiénprodujoalgunosdelosdiscosmasimportantesdelrockdelosochentascomothejoshuatreeyotrosmilalbumsdeu2.

A través de los años, Eno ha sido de los pocos artistas que a pesar de ser multimillonarios siguen explorando constantemente la música experimental. Además, desde los 80s ha mantenido una presencia en el activismo político mucho más respetable que la de algunos de sus conocidos más repugnantes, y es miembro fundador de la Long Now Foundation. Sus innovaciones en la forma elevaron el rock a una forma de arte y han influenciado a generaciones de bandas como Radiohead o Air, además de todo el mundo de la música electrónica.

Si les interesa un poco de la filosofía de Eno en sus propias palabras, pueden leer esta clase que dio en una universidad en 1979:

http://music.hyperreal.org/artists/brian_eno/interviews/downbeat79.htm

Cámara.

Historia del Productor: Les Paul, Lieber & Stoller y Wexler, Mardin & Dowd

Ya fue mi examen. Me fue muy bien, gracias. Me sirvió mucho estudiar escribiendo estas entradas del blog. Pero en mi afán por hacer un solo post al día, hubo tres precursores del productor que se quedaron en el camino, y hoy quiero rescatar mis notas y escribir sobre ellos.

El primero es Les Paul. Les Paul nació en 1915, cuando Venustiano Carranza era presidente, y se murió hace unos meses, a los 94 años. Todavía tocaba cada semana en el lugar de B.B. King en Times Square. Muchos conocen a Les Paul por su diseño de guitarra, y algunos por su virtuosismo en el instrumento, pero tal vez pocos saben de sus innovaciones en el mundo de la grabación.

Sucede que Les Paul era un niño genio. Cuando estaba en la primaria, le preguntó a su maestra cómo funcionaba el fonógrafo, desde que ponías el disco hasta que salía el sonido. Su maestra lo llevo a la biblioteca donde conoció a todos los profesores, y le explicaron conceptos de ingeniería eléctrica y de sonido. En poco tiempo, Les Paul estaba construyendo sus propias grabadoras a disco de acetato.

En 1949 se casó con Mary Ford, una cantante de country, y empezaron a hacer anuncios de productos para radio y eventualmente, para televisión. Sus anuncios eran pequeños sketches cómicos musicales que demostraban el virtuosismo de Les Paul en la guitarra, y si les interesa les recomiendo mucho que los busquen en youtube, son muy interesantes y están bien cagados. Desde ese momento, Les Paul se convirtió en un emprendedor pionero, manejando completamente su negocio, componiendo, grabando y distribuyendo su música. También en ese entonces comenzó a innovar en el campo de la ingeniería. Antes de Les Paul, se acostumbraba microfonear a los vocalistas a distancias de por lo menos un metro. Él y Mary Ford empezaron la costumbre de grabar la voz de cerca para agarrar las frencuencias más graves.

Pero sin duda, la contribución más importante de Les Paul al campo de la música grabada es su invención de la grabación de sonido-a-sonido, cuando se le ocurrió poner la cabeza de playback de la máquina de cinta antes de la cabeza de grabación. Así fue como se inventaron los overdubs. Antes de Les Paul, todos los músicos tenían que ser grabados en un solo cuarto, al mismo tiempo. No voy a hacer un intento de describir el impacto que tuvo su invención. Sólo voy a decir que a la industria le tomo más de diez años volverlo una costumbre.

Jerry Lieber y Mike Stoller, ambos nacidos en 1933, son dos escritores responsables por los éxitos más importantes de Elvis, y de otros ídolos del rock de la época. No quiero decir mucho de ellos, porque no planeaba extenderme tanto con este blog. Sólo voy a decir que fueron precursores importantes al papel del productor porque fueron los primeros escritores que tenían ideas claras de cómo debían tocarse y grabarse sus canciones, y a diferencia de los otros escritores de la época, asistían a las sesiones y se aseguraban de completar su visión. Phil Spector empezó su carrera como su asistente en las sesiones del Brill Building.

Finalmente está el primer equipo de producción integral: Jerry Wexler (el ejecutivo encargado del catálogo y el A&R), Ardif Mardin (el arreglista) y Tom Dowd (el ingeniero). Estos tres son responsables de llevar a la disquera Atlantic al éxito con artistas como Aretha Franklin , Ray Charles, y Led Zeppelin. Ellos tres conformaban una línea de producción que les permitía tener sesiones en tres partes diferentes del país, y su modelo de trabajo fue una gran influencia para las disqueras indie de la época.

FIN.

The Song Decoders (artículo)

Esta vez no voy a escribir nada, sólo les quiero pasar un artículo que nos mandó Jim Anderson, el maestro de ingeniería que le enseña a la otra sección (a mi me enseña otro maestro). El artículo es del New York Times y habla de Pandora, el servicio de internet parecido a Last.fm, y explica cómo funcionan las recomendaciones y otras cosas muy interesantes de las nuevas maneras de escuchar música. Aquí está el principio:

On first listen, some things grab you for their off-kilter novelty. Like the story of a company that has hired a bunch of “musicologists,” who sit at computers and listen to songs, one at a time, rating them element by element, separating out what sometimes comes to hundreds of data points for a three-minute tune. The company, an Internet radio service called Pandora, is convinced that by pouring this information through a computer into an algorithm, it can guide you, the listener, to music that you like. The premise is that your favorite songs can be stripped to parts and reverse-engineered.

Some elements that these musicologists (who, really, are musicians with day jobs) codify are technical, like beats per minute, or the presence of parallel octaves or block chords. Someone taking apartGnarls Barkley’s “Crazy” documents the prevalence of harmony, chordal patterning, swung 16ths and the like. But their analysis goes beyond such objectively observable metrics. To what extent, on a scale of 1 to 5, does melody dominate the composition of “Hey Jude”? How “joyful” are the lyrics? How much does the music reflect a gospel influence? And how “busy” is Stan Getz’s solo in his recording of “These Foolish Things”? How emotional? How “motion-inducing”? On the continuum of accessible to avant-garde, where does this particular Getz recording fall?

There are more questions for every voice, every instrument, every intrinsic element of the music. And there are always answers, specific numerical ones. It can take 20 minutes to amass the data for a single tune. This has been done for more than 700,000 songs, by 80,000 artists. “The Music Genome Project,” as this undertaking is called, is the back end of Pandora.

Y el artículo:

http://www.nytimes.com/2009/10/18/magazine/18Pandora-t.html?_r=1&hpw

Historia del Productor: George Martin

George Martin ha sido llamado el quinto Beatle. eso ya lo sabían. pero se han preguntado porqué? pues me vale verga, yo les voy a decir.

George Martin (Sir George Martin, para los cuates) nació en 1926, 14 años antes que John Lennon. A los 17 años, se enlistó en la marina. Por suerte, la guerra terminó antes de que lo mandaran. Así que a los 20 años, con una beca del ejército, se metió a la Guildhall School of Music and Drama en Londres (el mismo lugar donde estudió Dave Holland y seguramente un vergo de gente), donde estudió música clásica.

Después de la escuela, Martin se metió a trabajar en Parlophone, una rama de la disquera EMI muy poco importante, y en 1955 heredó la disquera cuando su jefe se retiró. Martin se dedicó a producir y grabar sesiones de música clásica, y discos de comedia como los de Peter Sellars.

En 1962, Brian Epstein (que también ha sido llamado el quinto Beatle) le llamó a Martin e insistió en enseñarle un demo de Los Beatles. Al principio, no le parecieron nada espectacular, pero los firmó a la disquera con un contrato en el que la banda recibiría un centavo de cada disco vendido, para repartirlo entre los cuatro. Meses después, George Martin decidió cambiar el contrato por iniciativa propia para doblar las regalías de los Beatles.

George Martin fue una influencia clave en todas las etapas del desarrollo de los Beatles, y su papel en el sonido de la banda está subvaluado. Martin servía como puente entre la creatividad bruta y el sonido final, y tuvo que inventar sobre la marcha dozenas de técnicas y trucos con los micrófonos, con las máquinas de cinta y con la mezcladora. Por ejemplo, cuando a John Lennon se le ocurrió preguntar porqué tenía que grabar dos veces un track de voz para tener eco, a George Martin se le ocurrió repetir el mismo track pero ligeramente desfazado, inventando el flanger. De hecho, Martin le puso el nombre al flanger cuando Lennon le preguntó cómo funcionaba el efecto. Sabiendo que Lennon no iba a entender ni merga si le explicaba, le dijo:

"we feed your voice through this and that and treat it with a double bifurcated sploshing flange which then doubles up your voice"

Martin también es responsable de iniciar a la banda en los elementos de la música clásica que definieron su sonido a partir del Rubber Soul. George Martin tuvo la idea de hacer un arreglo de cuerdas en Yesterday, siendo la primera grabación de una banda de rock sin instrumentos de rock. Aunque las cuerdas y elementos orquestales habían sido utilizados desde el Tin Pan Alley y hasta Motown, Martin inventó un nuevo idioma que era innovador en ambos campos, y que usaba los instrumentos como los colores principales del arreglo en lugar de adornos. El trabajo de arreglo y composición en Eleanor Rigby, por ejemplo, en donde Martin hizo todo excepto la letra y la melodía, probablemente le ameritaría un crédito de escritor junto con McCartney hoy en día.

Además de ser un innovador sin precedentes en los campos de arreglo e ingeniería de sonido, George Martin terminó de definir el papel del productor actual en 1965, cuando se dio cuenta de que no era millonario a pesar de que había producido todos los hits de los Beatles. El problema era que hasta entonces, los productores eran contratados por sesión y se les pagaba una cuota fija, o un sueldo. A Martin no le pareció, así que renunció de EMI y fundó su compañía, Associated Independent Recordings (AIR) en donde empezó a exigir regalías del material que producía. Eventualmente construyó un estudio en un paraíso tropical a la orilla del mar para grabar a todos los artistas que producía su compañía, hasta que vino el Huracán Hugo y se lo llevó.

Así que, muchachos, cuando se pregunten quién es George Martin, recuerden: ¿qué serían los Beatles sin las innovaciones tecnológicas y los arreglos orquestales?

Historia del Productor: Berry Gordy y Brian Wilson

Phil Spector era todo en uno: un hombre de negocios, millonario, prodigio, genio musical y alma torturada. Pero no todos los productores pueden llenar tanto espacio a la vez. Berry Gordy y Brian Wilson fueron influenciados y compitieron en su época con diferentes aspectos de la gran sombra de Spector.

Berry Gordy nació en 1929, diez años antes que Spector. En 1959, fundó en Detroit la disquera Tamla Records, sinónimo con el sonido (y eventualmente absorbida por su disquera hermana con el mismo nombre) del Motown. Eventualmente creció para convertirse en la compañía más grande del país fundada por negros.

El Motown consolidó la música negra que estaba cayendo del favor del público gracias a la popularización (y sanitización) del rock 'n' roll. Su sonido era una mezcla de los estilos del R 'n' B, Gospel, Doo Wop y los principios del Funk. El timbre se caracteriza por el uso de limitadores para controlar el rango dinámico de la voz, uso extensivo de ecualizadores, y la atención al detalle de Gordy, que muchas veces pedía doce mezclas de un sencillo que "audicionaba" en diferentes aparatos reproductores para escoger la mejor.

Gordy tomó el modelo de producción en línea de las fábricas de hits de Spector y el Brill Building (del cual tal vez escriba), pero en lugar de tener artistas genéricos intercambiables, Gordy invertía en el desarrollo completo de sus artistas para darles largas y fructuosas carreras. Los artistas de Motown firmaban los derechos de sus canciones, eran manejados por la compañía de Gordy y grababan en sus estudios (Hitsville, USA), además de obviamente sacar sus sencillos a través de las disqueras de Tamla-Motown. Además, tomaban clases de coreografía y de cómo comportarse en el escenario y en el público con la maestra de etiqueta, Maxine Powell.

Berry Gordy ha sido criticado por sus éticas cuestionables respecto al manejo y las finanzas de sus artistas, y hay aspectos de la compañía que aún permanecen en secreto. Se dice, por ejemplo, que muchas de las líneas de bajo legendarias del Motown que se le atribuyen a James Jamerson en realidad fueron grabadas por Carol Kaye, una chica blanca que tocaba con Spector y Brian Wilson, entre muchos otros.

Sin embargo, el desarrollo integral que les daba a sus artistas y su particular sonido, así como su asociación con los principios del movimiento de los derechos civiles resultó en carreras larguísimas y muy importantes como la de Marvin Gaye, Stevie Wonder, The Four Tops, The Temptations, etc.

Brian Wilson tomó otro aspecto de la figura de Spector: el genio musical/alma torturada.

Wilson nació en 1942 y empezó en su adolescencia una banda con sus hermanos y su primo como bajista, tecladista y vocalista. Tomando la comercialización total del rock 'n' roll, los Beach Boys empezaron con la moda del surf, pero pronto el genio de Wilson era demasiado para un estilo tan limitado.

Así que se tomó unos ajos y se volvió loquito. Después de escuchar el Rubber Soul, Brian Wilson se metió la idea de que él era el genio gringo que tenía que competir con los Beatles. Empezó a extender los limites del estilo de los Beach Boys y a presionarlos y exigirles cada vez más. Tomó elementos del sonido de su ídolo Phil Spector y empezó a sacar composiciones cada vez más complejas, como Wouldn't it Be Nice?

Su clímax creativo llegó en 1966, cuando pasó más de seis meses componiendo, arreglando y grabando su obra maestra, Good Vibrations, seguido por el LP Pet Sounds. Su disquera aprovechó el éxito de estas grabaciones para anunciar el siguiente disco de los Beach Boys, Smile, antes de que Wilson empezara a componerlo.

Sus crecientes problemas mentales causados por las drogas y su obsesión con el detalle de sus piezas le impedían trabajar en sus obras cada vez más complejas. Finalmente, Brian Wilson se dio por vencido después de escuchar Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band en 1967, le concedió la victoria en su competencia ficticia a los Beatles y se dedicó a ser un loco de tiempo completo.

Con el tiempo, Brian Wilson logró recuperarse y volver a la música, pero su tiempo había pasado. Con un poco de educación musical y menos drogas, tal vez realmente hubiera logrado una carrera del nivel y Lennon y McCartney.

Historia del Productor: Phil Spector

Pues mi examen es mañana, y acabo de terminar de estudiar la parte más extensa hasta ahora del curso, sobre todo por toda la música que nos pusieron a escuchar para estar parte. La idea era que al final quedara grabadísimo en nuestra cabeza el sonido de la técnica de grabación legendaria de Phil Spector, el "Wall of Sound".

Tengo que admitir que a mí me costó un huevo lograr distinguir el sonido. Escuchaba y escuchaba las canciones, pero me parecía muy difícil diferenciar el estilo particular de Phil Spector del sonido general de las grabaciones de principios de los 60s. Eventualmente me di cuenta: el sonido de Phil Spector ES el sonido de las grabaciones de principios de los 60s.

Phil Spector nació en el Bronx en 1939, pero lo crió su mamá en Los Angeles, donde empezó a tocar la guitarra en bandas de jazz con sus amigos. En 1958 tuvo su primer hit con "To Know Him is To Love Him", que vendió más de un millón de copias.

Después de eso, regresó a Nueva York para trabajar y aprender de los compositores/productores Lieber & Stoller (de quien podría también escribir un blog, y tal vez lo haga). Pronto, el genio de Phil Spector como músico, productor y hombre de negocios se dio a notar, y antes de cumplir 21 Spector ya era un millonario con su propia disquera fundada en Philadelphia, Philles Records. Tom Wolfe escribió un artículo sobre Spector llamado "The First Tycoon of Teen" en donde ponía al productor como la epítome del movimiento de los adolescentes en los 60s, al mismo tiempo que su genialidad lo ponía en un nivel aparte.

Si John Hammond Jr. y Sam Phillips fueron pioneros de la figura del productor moderno, Phil Spector no sólo es un ejemplo clave del establecimiento de esa figura, sino que trasciende las barreras usuales del título y se convierte en el centro del proceso creativo, empezando la tradición del productor como genio/auteur que ha continuado por casi 50 años con artistas como Brian Wilson, Brian Eno, Danger Mouse, etc. Phil Spector era la estrella de su disquera, y veia a los artistas como herramientas intercambiables de sesión en sesión, produciendo bandas genéricas como The Crystals, The Ronettes, The Righteous Brothers, etc. Spector tenía la mala costumbre de poner mal los créditos en sus sencillos, por lo cual es difícil saber exactamente quién tocó en qué sesión.

Spector también extendió la imagen del artista inestable y peligroso al productor, con su legendaria ira y sus costumbres de llegar a su oficina en una limosina con guardaespaldas, oentrar al estudio con una pistola que a veces usaba para amenazar a músicos como John Lennon o los Ramones. A sus 69 años, Phil Spector está sirviendo una sentencia de 19 años de carcel por el supuesto asesinato de una actriz

El sonido característico de Spector, el Wall of Sound, era el resultado de tener a veces decenas de músicos tocando juntos en un estudio pequeño con paredes altas. Una sesión podía tener dos baterías, cuatro bajos, cinco guitarras, una sección de vientos, y cuatro vocalistas todos tocando juntos. Por supuesto, los sonidos de cada instrumento se colaban en los micrófonos de todos los demás instrumentos, y Spector experimentaba por horas con la colocación de diferentes micrófonos y músicos en el cuarto hasta obtener el sonido que tenía en su cabeza. Después de la sesión, pasaba días regrabando y mezclando la canción. A pesar de que la grabación y mezcla en dos canales ya era común en esas épocas, Spector se rehusaba a dejar el mono. Estas son las características de ese sonido saturado en bajos, rico en armonías y lleno de pequeños detalles que tal vez ustedes también identifiquen como el sonido de principios de los 60s. Spector prefería concentrar todas sus energías en un sencillo a la vez, aunque esto no era tan raro en el mundo antes de Sgt. Pepper y los albums conceptuales.

En 1966 Phil Spector firmó con Ike & Tina Turner, la pareja más exitosa del RnB en ese momento, para producir lo que él consideraba su obra maestra. El sencillo "River Deep - Mountain High" rompió récords en el costo de producción, pero inexplicablemente no tuvo éxito. Decepcionado con la industria, Phil Spector se retiró de la música.

Hasta 1970. Los Beatles estaban a punto de separarse, y su manager Allen Klein le llamó a Spector para rescatar las sesiones fallidas del album que se iba a llamar "Get Back". Spector re-produjo el album haciendo cambios considerables y lo convirtió en Let It Be. Paul McCartney se enojó un chingo como ya sabemos, y años después sacó el Let It Be... Naked quitando todo el trabajo de Spector. Pero a John Lennon y George Harrison debió gustarles su trabajo, porque ambos lo invitaron a trabajar en sus discos solistas. Phil Spector produjo el album triple All Things Must Pass de Harrison (escúchenlo si no lo han hecho), y los dos discos de Plastic Ono Band de John Lennon y Yoko Ono, además del sencillo (y rola de cajón del Christmas Concert del Edron) Happy Xmas (War is Over). En 1973, su relación con John Lennon se terminó durante la grabación del disco Rock 'n' Roll cuando Phil Spector llamó a más de 70 músicos para una sesión, llego dos horas tarde vestido de karateca, y le apuntó a Lennon con una pistola. La neta, yo también me hubiera emputado.

Desde entonces, Phil Spector se ha vuelto cada vez más ermitaño y un personaje mítico, lleno de controversia. Pero a pesar de su extraña conducta, Phil Spector sigue siendo un modelo del productor como un artista completo que desarrolló una voz personal, y su sonido ha sido una influencia importante para productores y artistas como Nigel Godrich, Dave Fridmann e incluso Dave Sitek.

Historia del Productor: Sam Phillips

Bueno pues continuando con mi estudio para mi examen el jueves, el día de hoy quiero escribir sobre Sam Phillips, el fundador de Sun Records, quien descubrió a Elvis y a Johnny Cash, además de rockeros de los originales como Jerry Lee Lewis (Great Balls of Fire?), Carl Perkins, etc.

Sam Phillips nació en 1923 en algún lugar del sur del país donde vivo. No sé exactamente dónde. Como no tenía dinero para ir a la universidad, se metió a la industria del radio en los 40s como DJ, y ahí aprendió los principios de la ingeniería de audio.

Después de la guerra, con la recuperación de la economía y la accesibilidad de la tecnología militar para el público, Sam Phillips compró unos aparatillos y puso un estudio en Memphis en 1950 en donde por dos dólares podías entrar y grabar un par de canciones. Al principio su equipo era portátil y lo llevaba para grabar bodas y eventos. Como la industria musical estaba basada principalmente en las ciudades del noreste, el estudio de Phillips en Memphis resultó ser lo más conveniente para los artistas de blues y de country del sur, y el estudio fue adquiriendo su reputación por grabar artistas como B.B. King y Howlin' Wolf. En 1952, Phillips expandió su negocio y fundó Sun Records, una disquera independiente de R&B y Country & Western.

Un bonito día, un chofer de camiones entró al estudio con la excusa de grabar dos canciones para el cumpleaños de su mamá. En realidad este muchacho de 20 tenía toda la intención de ser descubierto y producido por Phillips. Resulta que el chamaco este era nada menos que Elvis Presley.

Elvis logró ganar la atención de Phillips en la sesión por ser justamente lo que el productor estaba buscando: un artista auténtico que pudiera mezclar el sonido de la música negra haciéndolo accesible para el público blanco. De cierta manera Phillips estaba llevando un paso más las ideas de John Hammond Jr.

En 1953 Phillips llamó a Elvis para una sesión con dos músicos experimentados, pero después de horas de pasar por todo el repertorio del cantante sin dar con un sonido satisfactorio, Phillips sugirió una vieja canción de C&W llamada "That's All Right". En esa misma sesión, Phillips inventó la técnica de delay con cinta que le dio a Elvis su eco característico, y que se usó por más de diez años, hasta la invención de unidades dedicadas de delay en los 70s.

Phillips lanzó a Elvis al mundo, pero el peso de tener una estrella de ese tamaño fue demasiado para la disquera independiente, que pronto se encontró con problemas de infraestructura (había demasiada demanda para sus discos, pero no había capital para imprimirlos). Phillips se vio obligado a vender el contrato de Elvis a RCA en 1955.

Aún con el éxito de Johnny Cash, Sun Records nunca logró recuperarse después de Elvis, y eventualmente Sam Phillips se retiró de la industria. Aunque su carrera fue relativamente corta, Sam Phillips fue uno de los productores más influyentes en el sonido del rock 'n' roll, y una figura icónica como uno de los primeros productores auto-suficientes (ingenieros, dueños de disqueras, A&R, dueños de estudios) que vio claramente lo que le faltaba al mercado, experimentó hasta que lo encontró, y lo distribuyó por todo el país.

Un poco de Platón (ay si)

Empezaré mi segunda entrada hablando del señor don Platón, cosa que me llama la atención porque yo no soy muy de la filosofía. La semana pasada en mi clase de teoría del conocimiento el prof nos contó una idea que tenía el señor don Platón respecto al arte y la verdad. Él no era un crítico de arte ni nada parecido, como todos lo saben, era filósofo pero lo que dijo respecto al arte me pareció muy interesante y es un dato que les queria compartir. No me voy a meter mucho en detalles, más bien le contaré el resumen de lo que vimos, o como dirían algunos filósofos, la escencia. Dejémoslo en la categoría de cosas interesantes porque no se me ocurre mucho en cuanto qué hacer con esto, más que nada me pareció bonito.

De entrada, para Platón el arte era una apariencia con respecto de la realidad. Ahora, ustedes se preguntarán ¿y de dónde viene eso? Ah, pues les diré. Platón decía que existen dos mundos: el mundo de las ideas y el mundo sensible. En el mundo de las ideas es donde se encuentra la verdad, donde están las cosas como son realmente. El mundo sensible es el que percibimos y es una copia distorcionada del mundo de las ideas. Se encuentra un paso alejado de la verdad ya que el mundo de las ideas es cambiante y nuestros sentidos nos engañan y nos impiden percibir ese cambio de las cosas. Lo único que no cambia de las cosas se le llama OUSÍA y se refiere a lo que está por debajo de todo lo que cambia. Si lo traducimos es lo que vendría siendo la SUBSTANCIA, que se relaciona con la escencia (lo que hace que una cosa sea lo que es y no otra cosa). Entonces, Platón decía que los artistas se encargaban de plasmar lo que veían, su realidad, en una obra material. Por esto mismo, su obra resultaba en una copia del mundo sensible y por lo tanto el arte se encontraba a dos pasos lejos de la realidad y a Platón esto no le gustaba. Mi maestro dijo que Platón quería sacar a los artistas de la república pero no entendí si era broma o no. Aquí es donde se viaja más el asunto. Los únicos artistas a los que Platón aceptaría son aquellos que lograban conectarse con el mundo de las ideas por medio de una "sensibilización" que él explicaba de la siguiente manera: las Musas (diosas del arte; de ahí se deriva la palabra museo) llevaban al artista al mundo de las ideas donde él veía la verdad y luego regresaba al mundo sensible a plasmar lo que había visto. De este modo su arte se encontraba a un paso de la realidad y no a dos.

Cagado, ¿no? LOL

Lo que no me latió del Platón es que nunca estableció un método de diferenciación entre el arte que estaba a dos pasos de la realidad y el que estaba a uno. Repito, él no era crítico de arte, era filósofo. Creo que le faltaron sus ajos pa ver el mundo de las ideas ;) Pero pues qué le haremos. Espero hayan disfrutado esta pequeña y curiosa entrada.

Paco

Historia del Productor: John Hammond Jr.

Tengo todísima la intención de terminar la segunda parte del blog sobre los micrófonos. Pero también desde hace mucho tengo ganas de escribir sobre los productores de los que he aprendido en mi clase de Record Producer as a Creative Artist, y el día de hoy sucede que estoy repasando todo el curso para mi examen parcial el jueves. Así que aprovechando para estudiar, voy a empezar con eso.

Primero tengo que decir que mi clase de Record Producer as a Creative Artist trata de definir la historia y el desarrollo de la figura del productor a lo largo de la música popular del siglo veinte. Tal vez en otra ocasión escriba una introducción a los tipos de productores, pero esta vez voy a escribir sobre uno de los primeros pioneros de la producción musical, a quien muchos consideran el no-músico más importante en la historia de la música.

Tal vez nunca hayan escuchado su nombre, pero seguramente han escuchado el resultado del trabajo de John Hammond Jr.

John Hammond nació en 1920, hijo de padres ricos y blancos en Manhattan. Su mamá era pianista y Hammond empezó en la música desde los cuatro años, tomando clases de piano y violín, y después dejándolo por la viola en la universidad. Pero la música clásica nunca fue lo suyo, y desde chavillo Hammond se fugaba con los 15 sirvientes de su casa a los clubs de jazz y blues en Harlem. Hammond era un hombre blanco y rico con una sensibilidad verdadera para la música negra en un tiempo en el que esa música era considerada de segunda mano.

A principios de siglo, la forma de música popular que dominaba el mercado era el Tin Pan Alley, un estilo desarrollado por un grupo de autores e imprentas de música que tomaba elementos del jazz y del blues y los hacía accesibles a un público familiar de blancos.

John Hammond Jr. era conocido por su escrupuloso trato de todos los artistas, pero especialmente los negros. Como era rico, renunciaba a todas sus regalías porque decía que eran del artista por derecho. En 1933 Hammond rompió la barrera racial por primera vez en un disco, cuando grabó a la banda del clarinetista blanco Benny Goodman con Billie Holiday.

En 1938 Hammond organizó en el Carnegie Hall el concierto "From Spirituals to Swing", una retrospectiva de la música negra que logró establecer el estatus legítimo de la música negra en el canon de la música popular. Este concierto es considerado uno de los puntos más importantes de su carrera.

Hammond estuvo activo en la industria por más de 50 años, hasta su muerte en 1987. A lo largo de su carrera se asoció principalmente con la disquera Columbia donde sirvió como jefe de A&R (Artist & Repertoire, o sea la rama que se dedica a encontrar, firmar y desarrollar nuevo talento), y se distinguió por ser uno de los productores ejecutivos y figuras más respetadas en la industria, especialmente por su reputación de nunca olvidar sus principios firmemente de izquierda.

Algunos de los artistas más destacados que firmó Hammond tomaron tiempo en ser reconocidos como verdaderas leyendas, especialmente en el caso de Aretha Franklin y Bob Dylan, que le generaron mucha controversia y crítica en su momento.

Hammond no era un gran conocedor de la tecnología de grabación, incluso al grado de oponerse a nuevas técnicas de grabación. Incluso hay quienes no lo consideran un productor en absoluto por su falta de habilidad en el estudio, pero Hammond sin duda influyó en la creación de la figura del productor como emprendedor, como influencia en el desarrollo como y sirviente de una visión artística.

Teoría de los micrófonos: Parte 1

Hola. Ayer fui a un concierto de Rain Machine. Estuvo muy chido. Usaron micrófonos.

No les voy a explicar el principio básico de cómo los micrófonos convierten energía acústica en eléctrica, porque lo vimos en clase de Mr Anderson y además no me interesa mucho. De hecho, voy a intentar ahorrarme todos los detalles técnicos de la física. Esta es una muy breve introducción a los principales tipos de micrófonos que se utilizan para grabar música.

Pero antes, les voy a decir porque estoy escribiendo esto. No es solamente porque acabo de leer 40 páginas al respecto. Es porque hasta ahora, toda mi experiencia (no que sea mucha, pero igual) con tecnología musical y el mundo de la ingeniería y producción había estado en el mundo digital. Tengo algo de experiencia con MIDI, y con edición de audio digital. He aprendido los usos de diferentes efectos y los básicos de la mezcla con simulaciones virtuales.

Todo eso tiene sus contrapartes en la vida real (o en el campo análogo, si quieren). Pero algo que definitivamente se pierde conectando instrumentos y controladores a una interfaz es el arte de escoger, colocar y procesar micrófonos.

Por suerte, mi clase de Engineering the Record nos enseña ingeniería clásica con equipo análogo. Ahora, espero que disculpen mi mamonería, pero me acabo de dar cuenta de que voy a tener que continuar este blog en inglés. De lo contrario tendría que buscar las traducciones de todos los términos técnicos, y en verdad no quiero hacer eso.

Como punto de referencia, el rango auditivo de los humanos va de 20 Hz a 20 kHz.

There are three main types of mics: Dynamic or moving-coil mics, ribbon mics, and condenser or capacitor mics.

Dynamic mics are the most basic type. They are cheap, durable and robust (lo vendría siendo un micrófono de batalla, pues). These mics often have a bubble-shaped wire mesh around them as well as a thin foam coating. This is to prevent damage to the coil, but it also serves to attenuate sibilance. This type of mic has a resonant peak around 5 kHz, but its response decays above 8-10 kHz. This makes it especially suited for vocals, as well as micing guitar or keyboard amps. Because of its robustness and resistance to high pressure levels, as well as its resistance to interference from the wind, dynamic mics are also used for recording drums. However, there are special considerations when recording low frequencies. Because of the nature of the coil, bass frequencies at distances closer than 1 metre tend to get accentuated at much higher ratios than middle and treble frequencies. This is called a bass tip.

Ribbon mics use a corrugated metal ribbon rather than a wire coil, which makes them very fragile. They have a low resonant frequency around 40 Hz, below which it is hard to pick up anything. They also tend to have difficulty picking up very high frequencies above 14 kHz. The frequencies between, however, have a very smooth (high quality) response. Ribbon mics give out a very low output, so they generally have a built-in 'step-up' convertor which steps up the impedance to normal mic level (podría bloggear acerca de niveles de señal y convertidores, pero les aseguro que es aburrido. pero si a alguien le interesa, se los explico.)

Estos son los clásicos micrófonos de los cincuentas que se ven bien chidos.

Condensor mics use a very thin porcelain or titanium disc, and their resonant frequency is in the high range, typically around 12-20 kHz. These are the highest-quality (and most expensive) of the mic types, which makes them the professional standard (although other types have specialized uses). Because of their architecture, condenser mics need a constant power supply of 48V. This is provided by the audio cable itself, and mixers and audio interphases will normally have a 48V or 'Phantom Power' button which enables this function. There are several variations on this design which serve different purposes, from radio to journalism to field recordings.

Bueno, esos son los tres tipos principales de micrófonos. Quería explicar también los principales patrones de captura, pero se está haciendo tarde y mañana tengo clase en la mañana, así que esa será la parte 2.

Si tienen preguntas, o ven hoyos en lo que digo, o lo que sea, pues coméntenle!

Gracias por leer.

yo.

FELIZ CUMPLE CHIQUITO!

Muchas felicidades perra, te mando un abrazototote y espero te la pases bien chido el fin. Te deseo mucho atasque y 100% amor

:)

The Periodic Table of Form

Siguiendo la pauta de mi amigo Stuart yo también les quiero compartir un artículo que me dieron a leer en la escuela, aunque no fue el primero, es sin lugar a duda del que mas aprendí. The Periodic Table of Form es un artículo dedicado a la disección de las propiedades inherentes de las formas y cómo podemos entender un objeto y lo que nos transmite a través de su forma.

Esto fue, en el contexto de la clase, un primer acercamiento a la creación de figuras orgánicas en oposición a las figuras puramente geométricas.

Entre otras cosas el artículo trata con los diferentes tipos de formas y sus propiedades individuales y combinadas y analiza algunos productos para determinar si su forma tiene congruencia con su función.
Los dejo con un extracto para que se les antoje:

"For the purpose of this argument I propose that form (or Design), in the context of both the natural and man-made world has two jobs: to be the messenger of a certain experience; and to fulfill on that promise. When the two don't match up, the experience is unfulfilling and its form superficial. Consider the agreement between message and experience in these examples from nature:
- The vibrant color and markings of the poison dart frog warns off predators with the promise of death; fulfillment here is clear.
- The Monarch Butterfly's colorful markings also flaunt its poisonous nature; their purpose is attained when predators are deterred.
- The consequences of interacting with the array of sharp spines on a sea urchin or porcupine are pretty obvious to any creature passing by--you don't need a pair of frontal lobes to understand this.
- The glorious display of the peacock's plumage carries the clear message, 'my DNA is better than the next guy's, so mate with me'."

Periodic Table of Form

-Eric

mamá prende la compu! estoy en el blog!

hola. déjenme tomar este breve momento para hacer alusión a la mención de mi jefa en el título. por este medio les hago saber que cualquier chiste al respecto está quemado de antemano. gracias.

cámara, muchas gracias por el blog. lo había esperado como buen ñoño, la neta. desde hace mucho (ok, desde que conocí a momus) quería empezar uno. de hecho, lo hice. parchesss.livejournal.com. pero no lo he usado más que para comentar en el blog de momus. así que, chido, y bien cabrón lo que dijiste.

en este punto, el tercer párrafo, tengo que admitir que este post no se trataba de nada en realidad en principio. en parte quería ver sisicierto, y parece que sicierto. pero ya que está aquí y escribiéndolo, estoy pensando qué me gustaría saber qué podría contener este blog.

podría contener cosas que aprendo en la escuela, como lo que dijo stuart (que por cierto yo también estoy viendo!). de hecho estaría chido escribir sobre lo que aprendí de la rítmica, de la armonía y de la disonancia en Teoría, o la teoría e historia de los productores.

también podría incluir viajes que surgen a partir de eso y otras cosas como mi nueva aversión al mp3 o mi viaje en contra de las políticas de lily allen (en lo personal sigo sin bajar música en general, pero igual, no mamen).

podría incluir reseñas de discos y conciertos, o de noticias y cosas que pasen en el mundo y que son demasiado largas para 140 caracteres.

finalmente, podría funcionar como un blog común y corriente en donde doy resúmenes de la vida. esto lo hago no porque soy una niña de 10 años, sino porque hay personas con las que no mantengo mucho contacto y a mí me gustaría leer lo que pasa en sus vidas.

el punto de este blog era un poco ordenar mis pensamientos respecto a los blogs, así que gracias si me siguieron, pero también era para dar unas cuántas ideas de qué podemos hacer con él, así que si se les ocurren otras cosas que hacer con este blog que no dije, pues coméntenle!

cámara pues, gracias de nuevo.

yo.

The Listener's Interpretation of Music: An Experience Between Cause and Effect

Primer artículo que me dieron a leer en mi clase de "Aural Skills" (y por lo tanto primer post que haré como introducción a mi vida como bloggero).

Básicamente la clase tiene el propósito de enseñarnos como escuchar, interpretar y analizar música, con el fin de luego poder expresar y entender esas percepciones de manera concreta y racional. Por ejemplo cuando le preguntan a uno que sentimientos le evoca una pieza y por qué, automáticamente uno intenta explicar la música a través de metáforas y analogías; "La música me hace sentir felíz porque tiene una tonada alegre". Esto es una respuesta incorrecta.

Lo que la clase tiene como finalidad es darnos la habilidad de poder disectar una pieza, analizar sus componentes y observar que cualidades tienen que función y como eso nos hace entender el significado detrás de la música y además tener el vocabulario adecuado para expresar coherentemente ese significado al mundo exterior.

También es en esta clase en la que nos enseñan como la música afecta imágenes (por ejemplo en el cine) y como es usada para crear y darle signifcado a esas imágenes. En fin este artículo es la introducción a esta materia. Aquí leeran sobre las distincciones entre diferentes maneras de escuchar música y sobre como interpretamos el significado en la música. ea ea !

http://www.herbertbrun.org/listener.html

Benvenuten

Hola Chavos,

Hola Compañeros,

Hola Amigos,

Hola Hermanos.

 

 

Sean bienvenidísimos a este su espacio: el blog oficial del Equipo B Azul, o séase nosotros. Este blog lo he creado para que sea de todos nosotros, super divertido, en el que todos cooperemos, super divertido. La intención es que aquí posteemos nuestras ideas, nuestras propuestas, lo que pensamos y lo que estudiamos. ¿Así de sencillo? Así de sencillo. Quiero que pinche explotemos la tecnología que esta a nuestro alcance a nuestro favor. Véanlo como un twitter sin la restricción de caracteres, mucho más “privado” y yo diría que es hasta más enriquecedor (si es que todo sale bien).

            Este proyectin me emociona mucho.

Ya desde hace mucho quería armar algo con todos ustedes pero nunca le pude poner nombre.

A la fecha no tiene nombre y esta chio porque me ahorré un pedote. Se me ocurrió que en lugar de organizar y ejecutar de jalón podríamos mejor dejar que las cosas fluyan y que todos veamos el proceso mental de todos como unidad para que de ahí saquemos nuestras ideas y las vayamos armando en cuasi-conjunto.

Me parece importante que vayamos armando algo entre todos. Al principio me interesaba hacer algún tipo de proyecto con fines de lucro pero creo que eso es lo de menos (buno no tanto, me mmmammma el dinero) pero no creo que debería ser el enfoque principal al inicio. Lo que me gustaría es crear una fuerza colectiva conformada por todos nosotros. Ustedes son mis mejores amigos =) y los estimo mucho. Creo que soy afortunado por tenerlos porque además de que nos la pasamos super duper bomba, son personas con coco:

 

Coco- 1) Fruta comestible obtenida del cocotero; 2) CEREBRO FUNCIONAL Y CHINGÓN.

 

Así es chavos. Yo creo que ustedes son de verdad personas chingonas y me encantaría hacer esto con ustedes antes que con cualquier otra persona. Creo que cada uno de nosotros puede aportar algo que nadie más puede y esa aportación es requete valiosa. Creo que tenemos una dinámica muy chingona que no he visto en muchos grupos de personas. A todos nos interesa saber más, conocer lo nuevo, darle la vuelta a las cosas y, sobre todo, a todos nos encanta Sheran.

3==D   (*)   <-- Bayeiyei de Sheran

Les daré unas cuantas razones por las que pienso, opino y no difiero que esto se debe de hacer y además, si se hace, saldrá chingón. Una vez adentrado en la vida universitaria me di cuenta de que me tenía que rifar más, exponerme a más cosas (una de las razones por las que empecé a escuchar la Ke Buena, antes solo la quería, hoy la amo) pero más que nada, hacer las cosas. Leer más, escuchar más, escribir más, todo más, ramín? Más. Fue un poco difícil para mi el pasar de la vida de la prepa de hacer “poco” y quedarme en la rutina. Creo que el avance era más lento. Pero mientras más me he rifado más resultados he obtenido. Creo que ustedes ya lo saben, perdón… Me estoy proyectando… EN EL PITO DE SHERAN. Muchas cosas me han indicado que mientras más práctica obtenga en armar proyectos, más chingones me saldrán. Si armamos algo nuestro no hay pierde, puro gane. Todos aprendemos. Es probable que no salga ningún proyecto lucrativo, pero lo que no dudo es que de este blog podremos sacar un jogototote. Todos estamos enfocados en diferentes áreas y si todos posteamos lo más interesante que vemos, desde trabajos y tareas hasta lecturas y lo que pinche queramos, entonces digievolucionaremos. Siempre nos lo podemos contar pero lo que quiero es que quede plasmado asi bien chingón al alcance de todos, además tenemos a unos cuates en el exranjero que se les extraña y no podrían escuchar lo que decimos por obvias razones. Por cierto, este blog es nuestro y solo nuestro, más tarde incluiremos a más banda siempre y cuando se lo ganen. Primero veamos que pedo. ¿Qué pedo?

Existen varios momentos en la vida de todo escritor en los cuales deciden que ya acabaron de escribir porque empieza a salir pura mamada. Creo que yo ya llegué a ese punto. Cualquier cosa que se me ocurra la pondré después. Espero no les haya parecido horrible todo lo que escribí. Lo hice con amor y para ustedes, eso sí. Olvidé varias DROGAS cosas que queria poner para inspirarlos pero creo que no son necesarias porque ustedes ya tienen la actitud. Mucho debraye y poca acción. Ya ni sé como acabar lo que estoy escribiendo. ¿Conclusión? Rifémosnos. Lo que quiero es tener mi bloggsito en el que todos ustedes escriban y lo lea antes de 

dormir todas las noches. =)

 

 

Lov,

 

 

Paco